Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Terdapat bandar-bandar dengan merit istimewa sebelum dunia muzik, contohnya, Odessa. Berapa banyak nama cemerlang yang disumbangkan ke pentas konsert pada tahun-tahun sebelum perang. Tbilisi, tempat kelahiran Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze dan beberapa pemuzik terkemuka lain, mempunyai sesuatu yang boleh dibanggakan. Lev Nikolaevich Vlasenko juga memulakan laluan seninya di ibu negara Georgia - sebuah bandar tradisi seni yang panjang dan kaya.

Seperti yang sering berlaku dengan pemuzik masa depan, guru pertamanya ialah ibunya, yang pernah mengajar dirinya di jabatan piano Konservatori Tbilisi. Selepas beberapa lama, Vlasenko pergi ke guru Georgia terkenal Anastasia Davidovna Virsaladze, graduan, belajar di kelasnya, sekolah muzik sepuluh tahun, kemudian tahun pertama konservatori. Dan, mengikut laluan ramai bakat, dia berpindah ke Moscow. Sejak 1948, beliau telah menjadi antara pelajar Yakov Vladimirovich Flier.

Tahun-tahun ini bukan mudah untuknya. Dia adalah pelajar dua institusi pendidikan tinggi sekaligus: sebagai tambahan kepada konservatori, belajar Vlasenko (dan berjaya menamatkan pengajiannya dalam masa yang ditetapkan) di Institut Bahasa Asing; Pemain piano itu fasih berbahasa Inggeris, Perancis, Itali. Namun lelaki muda itu mempunyai tenaga dan kekuatan yang cukup untuk segala-galanya. Di konservatori, dia semakin banyak membuat persembahan di pesta pelajar, namanya menjadi terkenal dalam kalangan muzik. Bagaimanapun, lebih banyak yang diharapkan daripadanya. Malah, pada tahun 1956 Vlasenko memenangi hadiah pertama di Pertandingan Liszt di Budapest.

Dua tahun kemudian, dia sekali lagi menyertai pertandingan pemuzik persembahan. Kali ini, di rumahnya di Moscow, di Pertandingan Tchaikovsky Antarabangsa Pertama, pemain piano itu memenangi hadiah kedua, meninggalkan hanya Van Cliburn, yang ketika itu berada di puncak bakatnya yang sangat besar.

Vlasenko berkata: "Tidak lama selepas menamatkan pengajian dari konservatori, saya telah digubal ke dalam barisan Tentera Soviet. Selama kira-kira setahun saya tidak menyentuh instrumen itu - saya hidup dengan pemikiran, perbuatan, kebimbangan yang sama sekali berbeza. Dan, sudah tentu, cukup nostalgia untuk muzik. Apabila saya tidak bergerak, saya mula bekerja dengan tenaga tiga kali ganda. Nampaknya, dalam lakonan saya ketika itu ada semacam kesegaran emosi, kekuatan seni yang tidak dihabiskan, dahagakan kreativiti pentas. Ia sentiasa membantu di atas pentas: ia juga membantu saya pada masa itu.

Pemain piano itu berkata bahawa dia pernah ditanya soalan: pada ujian yang manakah - di Budapest atau Moscow - adakah dia mengalami masa yang lebih sukar? "Sudah tentu, di Moscow," dia menjawab dalam kes sedemikian, "Pertandingan Tchaikovsky, di mana saya membuat persembahan, diadakan buat kali pertama di negara kita. pertama - yang mengatakan semuanya. Dia membangkitkan minat yang besar - dia membawa bersama pemuzik yang paling terkenal, kedua-dua Soviet dan asing, dalam juri, menarik penonton terluas, menjadi pusat perhatian radio, televisyen, dan akhbar. Ia amat sukar dan bertanggungjawab untuk bermain di pertandingan ini – setiap penyertaan ke piano bernilai banyak ketegangan saraf … “

Kemenangan dalam pertandingan muzik yang terkenal - dan "emas" yang dimenangi oleh Vlasenko di Budapest, dan "perak"nya yang dimenangi di Moscow dianggap sebagai kemenangan besar - membuka pintu ke pentas besar untuknya. Dia menjadi penghibur konsert profesional. Persembahannya di rumah dan di negara lain menarik ramai pendengar. Dia, bagaimanapun, bukan sahaja diberi perhatian sebagai seorang pemuzik, pemilik pakaian pemenang yang berharga. Sikap terhadapnya dari awal lagi ditentukan secara berbeza.

Terdapat di atas pentas, seperti dalam kehidupan, sifat yang menikmati simpati sejagat - langsung, terbuka, ikhlas. Vlasenko sebagai artis antara mereka. Anda sentiasa percaya kepadanya: jika dia bersemangat untuk mentafsir karya, dia sangat bersemangat, teruja - sangat teruja; jika tidak, dia tidak boleh menyembunyikannya. Seni persembahan yang dipanggil bukan domainnya. Dia tidak bertindak dan tidak berpura-pura; motonya boleh jadi: "Saya katakan apa yang saya fikirkan, saya luahkan perasaan saya." Hemingway mempunyai kata-kata indah yang dengannya dia mencirikan salah seorang pahlawannya: "Dia benar-benar, manusia cantik dari dalam: senyumannya datang dari hati atau dari apa yang dipanggil jiwa seseorang, dan kemudian dengan ceria dan terbuka datang kepada permukaan , iaitu menerangi wajah ” (Hemingway E. Di seberang sungai, di bawah naungan pokok. – M., 1961. S. 47.). Mendengarkan Vlasenko pada saat-saat terbaiknya, kebetulan anda mengingati kata-kata ini.

Dan satu lagi yang menarik perhatian orang ramai apabila bertemu dengan pemain piano - pentasnya hubungan sosial. Adakah terdapat segelintir daripada mereka yang menutup diri di atas pentas, menarik diri daripada keterujaan? Yang lain adalah dingin, dihalang oleh alam semula jadi, ini membuat dirinya terasa dalam seni mereka: mereka, menurut ungkapan biasa, tidak begitu "bergaul", mereka menjaga pendengar seolah-olah berada pada jarak dari diri mereka sendiri. Dengan Vlasenko, disebabkan oleh keanehan bakatnya (sama ada artistik atau manusia), mudah, seolah-olah dengan sendirinya, untuk menjalin hubungan dengan penonton. Orang yang mendengarnya buat kali pertama kadangkala menyatakan rasa terkejut – tanggapannya ialah mereka sudah lama dan mengenalinya sebagai seorang artis.

Mereka yang mengenali guru Vlasenko secara dekat, Profesor Yakov Vladimirovich Flier, berpendapat bahawa mereka mempunyai banyak persamaan – perangai pop yang cerah, kemurahan hati yang mencurah-curah emosi, cara bermain yang berani dan menyapu. Ia benar-benar. Bukan kebetulan bahawa, setelah tiba di Moscow, Vlasenko menjadi pelajar Flier, dan salah seorang pelajar terdekat; kemudian hubungan mereka berkembang menjadi persahabatan. Walau bagaimanapun, pertalian sifat kreatif kedua-dua pemuzik itu terbukti walaupun dari himpunan mereka.

Orang lama di dewan konsert ingat betul bagaimana Flier pernah bersinar dalam program Liszt; terdapat corak dalam fakta bahawa Vlasenko juga membuat debutnya dengan karya Liszt (pertandingan pada tahun 1956 di Budapest).

"Saya suka pengarang ini," kata Lev Nikolaevich, "pose artistiknya yang bangga, kesedihan yang mulia, toga percintaan yang menakjubkan, gaya ekspresi berpidato. Kebetulan dalam muzik Liszt saya sentiasa berjaya mencari diri saya dengan mudah ... Saya masih ingat bahawa dari usia muda saya memainkannya dengan keseronokan tertentu.

Vlasenko, bagaimanapun, bukan sahaja bermula dari Liszt menuju ke pentas konsert besar. Dan hari ini, bertahun-tahun kemudian, karya komposer ini berada di tengah-tengah programnya - dari etudes, rhapsodies, transkripsi, kepingan dari kitaran "Tahun Pengembaraan" kepada sonata dan karya lain dalam bentuk besar. Jadi, peristiwa penting dalam kehidupan filharmonik Moscow pada musim 1986/1987 ialah persembahan Vlasenko untuk kedua-dua konsert piano, "Dance of Death" dan "Fantasy on Hungarian Themes" oleh Liszt; diiringi oleh orkestra yang dikendalikan oleh M. Pletnev. (Petang ini didedikasikan untuk ulang tahun ke-175 kelahiran komposer.) Kejayaan bersama orang ramai benar-benar hebat. Dan tidak hairanlah. Bravura piano yang berkilauan, nada umum yang menggembirakan, “ucapan” pentas yang lantang, lukisan dinding, gaya permainan yang kuat – semua ini adalah elemen sebenar Vlasenko. Di sini pemain piano muncul dari sisi yang paling menguntungkan untuk dirinya sendiri.

Terdapat seorang lagi pengarang yang tidak kurang rapat dengan Vlasenko, sebagaimana pengarang yang sama rapat dengan gurunya, Rachmaninov. Pada poster Vlasenko anda boleh melihat konsert piano, prelude dan karya Rachmaninoff yang lain. Apabila seorang pemain piano "mengikut rentak", dia benar-benar mahir dalam himpunan ini: dia membanjiri penonton dengan perasaan yang melimpah, "terharu", seperti yang dikatakan oleh salah seorang pengkritik, dengan semangat yang tajam dan kuat. Dengan mahir memiliki Vlasenko dan timbre tebal "cello" yang memainkan peranan besar dalam muzik piano Rachmaninov. Dia mempunyai tangan yang berat dan lembut: lukisan bunyi dengan "minyak" lebih dekat dengan sifatnya daripada "grafik" bunyi kering; – seseorang boleh mengatakan, mengikut analogi yang dimulakan dengan lukisan, bahawa berus lebar lebih mudah untuknya daripada pensil yang diasah tajam. Tetapi, mungkin, perkara utama dalam Vlasenko, kerana kita bercakap tentang tafsirannya tentang drama Rachmaninov, ialah dia mampu menghayati bentuk muzik secara keseluruhan. Pelukan secara bebas dan semula jadi, tanpa terganggu, mungkin, oleh beberapa perkara kecil; Beginilah cara Rachmaninov dan Flier beraksi.

Akhirnya, terdapat komposer, yang, menurut Vlasenko, telah menjadi hampir yang paling dekat dengannya selama ini. Ini Beethoven. Sesungguhnya, sonata Beethoven, terutamanya Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, kitaran variasi, Fantasia (Op. 77), membentuk asas himpunan Vlasenko pada tahun tujuh puluhan dan lapan puluhan. Perincian yang menarik: tidak merujuk kepada dirinya sebagai pakar dalam perbualan yang panjang tentang muzik – kepada mereka yang tahu bagaimana dan suka menafsirkannya dalam kata-kata, Vlasenko, bagaimanapun, bercakap beberapa kali dengan cerita tentang Beethoven di Central Television.

"Dengan usia, saya mendapati dalam komposer ini semakin menarik kepada saya," kata pemain piano itu. "Untuk masa yang lama saya mempunyai satu impian - untuk memainkan lima kitaran konsert pianonya." Lev Nikolaevich memenuhi impian ini, dan dengan cemerlang, dalam salah satu musim terakhir.

Sudah tentu, Vlasenko, sebagai penghibur tetamu profesional sepatutnya, beralih kepada pelbagai jenis muzik. Persembahan persembahannya termasuk Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich... Walau bagaimanapun, kejayaannya dalam himpunan ini, di mana sesuatu yang lebih dekat dengannya, dan sesuatu yang lebih jauh, tidak sama, tidak selalu stabil dan malah. Walau bagaimanapun, seseorang tidak perlu terkejut: Vlasenko mempunyai gaya persembahan yang agak pasti, asasnya adalah kebijaksanaan yang besar dan menyeluruh; dia bermain benar-benar seperti seorang lelaki - kuat, jelas dan mudah. Di suatu tempat ia meyakinkan, dan sepenuhnya, di suatu tempat yang tidak cukup. Bukan kebetulan bahawa jika anda melihat dengan lebih dekat program Vlasenko, anda akan melihat bahawa dia mendekati Chopin dengan berhati-hati …

Bercakap tentang keо dilakukan oleh artis, adalah mustahil untuk tidak mencatatkan yang paling berjaya dalam programnya beberapa tahun kebelakangan ini. Berikut ialah sonata B minor Liszt dan lukisan etudes Rachmaninov, Sonata Ketiga Scriabin dan Sonata Ginastera, Imej Debussy dan Island of Joynya, Rondo Hummel dalam E flat major dan Albeniz's Cordova… Sejak 1988, poster Vlasenko telah menonton Sonata Kedua. BA Arapov, baru-baru ini dipelajari olehnya, serta Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Preludes, Op. 11 dan 12 Scriabin (juga karya baharu). Dalam tafsiran ini dan karya-karya lain, mungkin, ciri-ciri gaya moden Vlasenko sangat jelas kelihatan: kematangan dan kedalaman pemikiran artistik, digabungkan dengan perasaan muzik yang meriah dan kuat yang tidak pudar dengan masa.

Sejak 1952, Lev Nikolaevich telah mengajar. Pada mulanya, di Sekolah Koir Moscow, kemudian di Sekolah Gnessin. Sejak 1957 beliau telah menjadi antara guru Konservatori Moscow; dalam kelasnya, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko dan pemain piano lain menerima tiket ke pentas kehidupan. M. Pletnev belajar dengan Vlasenko selama beberapa tahun - pada tahun terakhirnya di konservatori dan sebagai penolong pelatih. Mungkin ini adalah halaman paling terang dan paling menarik dalam biografi pedagogi Lev Nikolaevich ...

Pengajaran bermakna sentiasa menjawab beberapa soalan, menyelesaikan banyak masalah yang tidak dijangka yang ditimbulkan oleh kehidupan, amalan pendidikan, dan remaja pelajar. Apa, sebagai contoh, perlu diambil kira apabila memilih repertoir pendidikan dan pedagogi? Bagaimanakah anda membina hubungan dengan pelajar? bagaimana untuk menjalankan pengajaran supaya ia berkesan? Tetapi mungkin kebimbangan terbesar timbul bagi mana-mana guru konservatori berkaitan dengan persembahan awam murid-muridnya. Dan pemuzik muda sendiri terus mencari jawapan daripada profesor: apa yang diperlukan untuk kejayaan pentas? adakah mungkin untuk menyediakan, "menyediakan"nya? Pada masa yang sama, kebenaran yang jelas - seperti fakta bahawa, kata mereka, program itu mesti dipelajari dengan secukupnya, "dilakukan" secara teknikal, dan bahawa "semuanya mesti berjalan lancar dan keluar" - hanya sedikit orang yang boleh berpuas hati. Vlasenko tahu bahawa dalam kes sedemikian seseorang boleh mengatakan sesuatu yang sangat berguna dan perlu hanya berdasarkan pengalaman sendiri. Hanya jika anda bermula dari yang berpengalaman dan dialami olehnya. Sebenarnya, inilah yang diharapkan daripada mereka yang diajarnya. "Seni adalah pengalaman kehidupan peribadi, diceritakan dalam imej, dalam sensasi," tulis AN Tolstoy, " pengalaman peribadi yang mendakwa sebagai generalisasi» (Seni dan Moral Tolstykh VI. – M., 1973. S. 265, 266.). Seni mengajar, lebih-lebih lagi. Oleh itu, Lev Nikolaevich dengan rela hati merujuk kepada latihan persembahannya sendiri - baik di dalam bilik darjah, di kalangan pelajar, dan dalam perbualan dan temu bual awam:

“Beberapa perkara yang tidak dapat diramalkan dan tidak dapat dijelaskan sentiasa berlaku di atas pentas. Sebagai contoh, saya boleh tiba di dewan konsert dengan baik berehat, bersedia untuk persembahan, yakin dengan diri sendiri - dan clavierabend akan berlalu tanpa banyak semangat. Dan begitu juga sebaliknya. Saya boleh naik ke atas pentas dalam keadaan sedemikian rupa sehingga saya tidak akan dapat mengeluarkan satu nota pun daripada instrumen – dan permainan akan tiba-tiba "pergi". Dan segala-galanya akan menjadi mudah, menyenangkan ... Apa masalahnya di sini? tak tahu. Dan mungkin tiada siapa yang tahu.

Walaupun ada sesuatu yang perlu diramalkan untuk memudahkan minit pertama anda berada di atas pentas – dan ia adalah yang paling sukar, resah, tidak boleh dipercayai … – Saya fikir ia masih boleh dilakukan. Apa yang penting, sebagai contoh, adalah pembinaan program, susun aturnya. Setiap penghibur tahu betapa pentingnya ini - dan tepatnya berkaitan dengan masalah kesejahteraan pop. Pada dasarnya, saya cenderung untuk memulakan konserto dengan karya yang saya rasa tenang dan yakin mungkin. Semasa bermain, saya cuba mendengar sedekat mungkin bunyi piano; menyesuaikan diri dengan akustik bilik. Pendek kata, saya berusaha untuk memasuki sepenuhnya, melibatkan diri dalam proses persembahan, menjadi berminat dengan apa yang saya lakukan. Ini adalah perkara yang paling penting – untuk tertarik, terbawa-bawa, menumpukan perhatian sepenuhnya pada permainan. Kemudian keseronokan mula surut secara beransur-ansur. Atau mungkin anda hanya berhenti menyedarinya. Dari sini ia sudah menjadi satu langkah ke keadaan kreatif yang diperlukan.

Vlasenko sangat mementingkan segala-galanya yang satu cara atau yang lain mendahului ucapan awam. “Saya masih ingat pernah bercakap mengenai perkara ini dengan pemain piano Hungary yang hebat, Annie Fischer. Dia mempunyai rutin istimewa pada hari konsert itu. Dia hampir tidak makan apa-apa. Satu telur rebus tanpa garam, dan itu sahaja. Ini membantunya mencari keadaan psiko-fisiologi yang diperlukan di atas pentas - cemas, teruja dengan gembira, mungkin juga sedikit dimuliakan. Kehalusan istimewa dan ketajaman perasaan itu muncul, yang sangat diperlukan untuk penghibur konsert.

Semua ini, dengan cara itu, dijelaskan dengan mudah. Jika seseorang kenyang, ia biasanya cenderung untuk jatuh ke dalam keadaan santai, bukan? Dengan sendirinya, ia mungkin menyenangkan dan "selesa", tetapi ia tidak begitu sesuai untuk membuat persembahan di hadapan penonton. Hanya untuk seseorang yang elektrik dalaman, yang mempunyai semua rentetan rohaninya bergetar dengan tegang, boleh membangkitkan respons daripada penonton, mendorongnya untuk empati …

Oleh itu, kadang-kadang perkara yang sama berlaku, seperti yang telah saya nyatakan di atas. Nampaknya segala-galanya kondusif untuk prestasi yang berjaya: artis berasa baik, dia secara dalaman tenang, seimbang, hampir yakin dengan kebolehannya sendiri. Dan konsert itu tidak berwarna. Tiada arus emosi. Dan maklum balas pendengar, sudah tentu, juga …

Pendek kata, ia adalah perlu untuk debug, memikirkan rutin harian pada malam sebelum prestasi – khususnya, diet – ia adalah perlu.

Tetapi, sudah tentu, ini hanya satu sisi sahaja. Agak luaran. Secara umum, seluruh kehidupan seorang artis - idealnya - harus sedemikian rupa sehingga dia sentiasa, pada bila-bila masa, bersedia untuk bertindak balas dengan jiwanya kepada keindahan yang luhur, rohani, puitis. Mungkin, tidak perlu membuktikan bahawa seseorang yang berminat dalam seni, yang gemar sastera, puisi, lukisan, teater, jauh lebih cenderung kepada perasaan yang tinggi daripada orang biasa, yang semua minatnya tertumpu pada bidang daripada yang biasa, bahan, setiap hari.

Artis muda sering mendengar sebelum persembahan mereka: “Jangan fikir tentang penonton! Ia mengganggu! Fikirkan di atas pentas hanya tentang apa yang anda lakukan sendiri … “. Vlasenko berkata tentang ini: "Mudah untuk menasihati ...". Dia sangat menyedari kerumitan, kekaburan, dualitas situasi ini:

“Adakah ada penonton untuk saya secara peribadi semasa persembahan? Adakah saya perasan dia? Ya dan tidak. Di satu pihak, apabila anda memasuki proses persembahan sepenuhnya, ia seolah-olah anda tidak memikirkan penonton. Anda benar-benar melupakan segala-galanya kecuali apa yang anda lakukan pada papan kekunci. Namun... Setiap pemuzik konsert mempunyai deria keenam tertentu - "rasa penonton", saya akan katakan. Dan oleh itu, reaksi mereka yang berada di dalam dewan, sikap orang terhadap anda dan permainan anda, anda sentiasa rasa.

Adakah anda tahu apa yang paling penting untuk saya semasa konsert? Dan yang paling mendedahkan? senyap. Kerana segala-galanya boleh diatur - kedua-dua pengiklanan, dan penghunian premis, dan tepukan, bunga, tahniah, dan sebagainya dan sebagainya, semuanya kecuali senyap. Jika dewan itu membeku, menahan nafas, ini bermakna sesuatu benar-benar berlaku di atas pentas - sesuatu yang penting, menarik …

Apabila saya rasa semasa permainan saya telah menarik perhatian penonton, ia memberikan saya tenaga yang besar. Berfungsi sebagai sejenis dadah. Detik-detik sebegitu merupakan satu kebahagiaan yang besar bagi pelakon, impiannya yang tertinggi. Walau bagaimanapun, seperti kegembiraan yang hebat, ini jarang berlaku.

Kebetulan Lev Nikolayevich ditanya: adakah dia percaya pada inspirasi pentas - dia, seorang artis profesional, yang membuat persembahan di hadapan orang ramai pada dasarnya adalah pekerjaan yang telah dilakukan secara berkala, secara besar-besaran, selama bertahun-tahun ... "Daripada sudah tentu, perkataan "inspirasi" itu sendiri » benar-benar haus, dicop, usang daripada penggunaan yang kerap. Dengan semua itu, percayalah, setiap artis bersedia hampir berdoa untuk mendapatkan inspirasi. Perasaan di sini adalah satu daripada jenis: seolah-olah anda adalah pengarang muzik yang dipersembahkan; seolah-olah semua yang ada di dalamnya dicipta oleh anda sendiri. Dan berapa banyak perkara baru, tidak dijangka, benar-benar berjaya dilahirkan pada saat-saat sedemikian di atas pentas! Dan secara literal dalam segala-galanya - dalam pewarnaan bunyi, frasa, dalam nuansa berirama, dll.

Saya akan mengatakan ini: adalah agak mungkin untuk memberikan konsert yang baik dan mantap secara profesional walaupun tanpa inspirasi. Terdapat beberapa kes sedemikian. Tetapi jika inspirasi datang kepada artis, konsert itu boleh menjadi tidak dapat dilupakan … “

Seperti yang anda ketahui, tidak ada cara yang boleh dipercayai untuk membangkitkan inspirasi di atas pentas. Tetapi adalah mungkin untuk mewujudkan keadaan yang, dalam apa jua keadaan, akan menguntungkannya, akan menyediakan alasan yang sesuai, Lev Nikolayevich percaya.

“Pertama sekali, satu nuansa psikologi penting di sini. Anda perlu tahu dan percaya: apa yang anda boleh lakukan di atas pentas, tiada orang lain akan lakukan. Biarlah ia tidak begitu di mana-mana, tetapi hanya dalam himpunan tertentu, dalam karya satu atau dua atau tiga pengarang – tidak mengapa, itu bukan maksudnya. Perkara utama, saya ulangi, adalah perasaan itu sendiri: cara anda bermain, yang lain tidak akan bermain. Dia, "lain-lain" khayalan ini, mungkin mempunyai teknik yang lebih kuat, himpunan yang lebih kaya, pengalaman yang lebih luas - apa sahaja. Tetapi dia, bagaimanapun, tidak akan menyanyikan frasa seperti yang anda lakukan, dia tidak akan menemui naungan bunyi yang menarik dan halus …

Perasaan yang saya ceritakan sekarang mesti biasa bagi seorang pemuzik konsert. Ia memberi inspirasi, mengangkat, membantu dalam saat-saat sukar di atas pentas.

Saya sering memikirkan guru saya Yakov Vladimirovich Flier. Dia sentiasa cuba untuk menggembirakan pelajar - membuatkan mereka percaya pada diri mereka sendiri. Dalam saat-saat keraguan, apabila tidak semuanya berjalan lancar dengan kami, dia entah bagaimana menanamkan semangat yang baik, keyakinan dan mood kreatif yang baik. Dan ini membawa kami, murid kelasnya, faedah yang tidak diragukan.

Saya berpendapat bahawa hampir setiap artis yang membuat persembahan di pentas konsert besar yakin di lubuk jiwanya bahawa dia bermain lebih baik sedikit daripada yang lain. Atau, dalam apa jua keadaan, mungkin dia boleh bermain dengan lebih baik … Dan tidak perlu menyalahkan sesiapa untuk ini – ada sebab untuk penyesuaian diri ini.

… Pada tahun 1988, festival muzik antarabangsa yang besar telah berlangsung di Santander (Sepanyol). Ia menarik perhatian khusus orang ramai - antara peserta ialah I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy, dan artis terkemuka Eropah dan luar negara yang lain. Konsert Lev Nikolaevich Vlasenko telah diadakan dengan kejayaan yang tulen dalam rangka festival muzik ini. Pengkritik bercakap dengan mengagumi bakatnya, kemahirannya, keupayaannya yang gembira untuk "terbawa dan menawan ..." Persembahan di Sepanyol, seperti lawatan Vlasenko yang lain pada separuh kedua tahun lapan puluhan, dengan meyakinkan mengesahkan bahawa minat dalam seninya tidak membosankan. Dia masih berada di tempat yang menonjol dalam kehidupan konsert moden, Soviet dan asing. Tetapi untuk mengekalkan tempat ini adalah lebih sukar daripada memenanginya.

G. Tsypin, 1990