Instrumentasi |

Persembahan muzik untuk persembahan oleh mana-mana bahagian orkestra atau ensembel instrumental. Persembahan muzik untuk orkestra sering juga dipanggil orkestrasi. Pada masa lalu pl. pengarang memberikan istilah "Saya." dan "orkestrasi" dec. maksudnya. Jadi, sebagai contoh, F. Gewart mendefinisikan I. sebagai doktrin teknikal. dan menyatakan. Instrumen peluang, dan orkestrasi – sebagai seni aplikasi bersama mereka, dan F. Busoni mengaitkan orkestrasi sebagai persembahan untuk orkestra muzik, sejak awal lagi pengarang dianggap sebagai orkestra, dan kepada I. – persembahan untuk orkestra karya yang ditulis tanpa mengira k.- l. komposisi tertentu atau untuk gubahan lain. Dari masa ke masa, istilah ini telah menjadi hampir sama. Istilah "Saya.", yang mempunyai makna yang lebih universal, pada tahap yang lebih besar menyatakan intipati kreativiti. proses mengarang muzik untuk ramai (beberapa) penghibur. Oleh itu, ia semakin digunakan dalam bidang muzik koral polifonik, terutamanya dalam kes pelbagai susunan.

I. bukanlah "pakaian" luaran sesebuah karya, tetapi salah satu sisi intipatinya, kerana adalah mustahil untuk membayangkan sebarang jenis muzik di luar bunyi konkritnya, iaitu, di luar yang ditentukan. timbre dan gabungannya. Proses I. menemukan ungkapan terakhirnya dalam penulisan skor yang menyatukan bahagian semua instrumen dan suara yang mengambil bahagian dalam prestasi kerja yang diberikan. (Kesan bukan muzik dan bunyi yang disediakan oleh pengarang untuk gubahan ini juga direkodkan dalam skor.)

Idea awal tentang I. mungkin sudah timbul apabila perbezaan antara muses mula-mula disedari. frasa, nyanyian manusia. suara, dan olehnya, dimainkan pada c.-l. alat. Walau bagaimanapun, untuk masa yang lama, termasuk zaman kegemilangan banyak-matlamat. huruf kontrapuntal, timbres, kontras dan dinamiknya. peluang tidak bermain dalam muzik dengan cara yang bermakna. peranan. Komposer menghadkan diri mereka kepada keseimbangan anggaran garis melodi, manakala pilihan instrumen selalunya tidak ditentukan dan boleh rawak.

Proses perkembangan I. sebagai faktor formatif dapat dikesan bermula dengan kelulusan gaya penulisan muzik homofonik. Cara khas diperlukan untuk mengasingkan melodi utama daripada persekitaran iringan; penggunaannya membawa kepada ekspresi yang lebih besar, ketegangan dan kekhususan bunyi.

Peranan penting dalam pemahaman dramaturgi. peranan instrumen orkestra dimainkan oleh rumah opera, yang berasal dari akhir abad ke-16 - awal abad ke-17. Abad ke-X Dalam opera C. Monteverdi, buat pertama kalinya, tremolo yang mengganggu dan pizzicato berjaga-jaga tali busur ditemui. KV Gluck, dan kemudian WA ​​Mozart, berjaya menggunakan trombon untuk menggambarkan situasi yang menggerunkan dan menakutkan ("Orpheus dan Eurydice", "Don Juan"). Mozart berjaya menggunakan bunyi naif seruling kecil yang primitif ketika itu untuk mencirikan Papageno (“The Magic Flute”). Dalam gubahan opera, komposer menggunakan sakramen. bunyi instrumen loyang tertutup, dan juga menggunakan sonoriti instrumen perkusi yang datang ke Eropah. orkestra daripada apa yang dipanggil. "muzik janissary". Walau bagaimanapun, carian dalam medan I. kekal dalam purata. paling tidak teratur sehingga (disebabkan oleh pemilihan dan penambahbaikan alat muzik, serta di bawah pengaruh keperluan mendesak untuk propaganda bercetak karya muzik), proses menjadi simfoni telah selesai. orkestra yang terdiri daripada empat, walaupun tidak sama, kumpulan instrumen: tali, kayu, loyang dan perkusi. Tipifikasi komposisi orkestra telah disediakan oleh keseluruhan perkembangan muses sebelumnya. budaya.

Yang terawal adalah pada abad ke-17. – kumpulan rentetan menjadi stabil, terdiri daripada jenis alat rentetan keluarga biola yang telah terbentuk tidak lama sebelum ini: biola, biola, cello dan bes berganda yang menggandakannya, yang menggantikan biola – instrumen bunyi bilik dan keupayaan teknikal yang terhad.

Seruling purba, oboe dan bassoon juga telah banyak dipertingkatkan pada masa ini sehingga, dari segi penalaan dan mobiliti, mereka mula memenuhi keperluan permainan ensembel dan tidak lama lagi dapat membentuk (walaupun julat keseluruhan yang agak terhad) ke-2 kumpulan dalam orkestra. Apabila di Ser. Abad ke-18 klarinet juga menyertai mereka (reka bentuk yang telah diperbaiki agak lewat daripada reka bentuk alat tiup kayu yang lain), maka kumpulan ini menjadi hampir sama monolitik seperti tali, mengalah kepadanya dalam keseragaman, tetapi mengatasinya dalam pelbagai daripada timbres.

Ia mengambil masa yang lebih lama untuk membentuk orc yang sama. kumpulan semangat tembaga. alatan. Pada zaman JS Bach, orkestra jenis bilik kecil selalunya termasuk sangkakala semula jadi, digunakan oleh kebanyakan orang. dalam daftar atas, di mana skalanya dibenarkan untuk mengekstrak diatonik. urutan kedua. Untuk menggantikan melodi ini menggunakan paip (gaya yang dipanggil "Clarino") dari tingkat 2. Abad ke-18 datang tafsiran baru tembaga. Komposer semakin mula menggunakan paip dan tanduk semula jadi untuk harmonika. mengisi orc. fabrik, serta untuk meningkatkan aksen dan menekankan penguraian. formula irama. Disebabkan peluang yang terhad, instrumen tembaga bertindak sebagai kumpulan yang sama hanya dalam kes apabila muzik digubah untuk mereka, DOS. pada alam semula jadi. penimbang yang bercirikan gembar-gembur tentera, tanduk memburu, tanduk pos, dan instrumen isyarat lain untuk tujuan khas – pengasas kumpulan tembaga orkestra.

Akhirnya, pukul. instrumen dalam orkestra abad ke-17 - ke-18. selalunya mereka diwakili oleh dua timpani yang ditala kepada tonik dan dominan, yang biasanya digunakan dalam kombinasi dengan kumpulan tembaga.

Pada penghujung 18 - awal. Abad ke-19 membentuk "klasik." orkestra. Peranan yang paling penting dalam mewujudkan komposisinya adalah milik J. Haydn, bagaimanapun, ia mengambil bentuk yang lengkap sepenuhnya dalam L. Beethoven (sehubungan dengannya ia kadang-kadang dipanggil "Beethovenian"). Ia termasuk 8-10 biola pertama, 4-6 biola kedua, 2-4 viola, 3-4 cello dan 2-3 bes berganda (sebelum Beethoven mereka bermain secara dominan dalam satu oktaf dengan cello). Komposisi tali ini sepadan dengan 1-2 seruling, 2 obo, 2 klarinet, 2 bassoon, 2 tanduk (kadang-kadang 3 atau bahkan 4, apabila terdapat keperluan untuk tanduk talaan berbeza), 2 trompet dan 2 timpani. Orkestra sedemikian menyediakan peluang yang mencukupi untuk merealisasikan idea-idea komposer yang telah mencapai kehebatan besar dalam penggunaan muses. alat, terutamanya tembaga, yang reka bentuknya masih sangat primitif. Oleh itu, dalam karya J. Haydn, WA ​​Mozart, dan terutamanya L. Beethoven, selalunya terdapat contoh-contoh yang bijak mengatasi batasan peralatan kontemporari mereka dan keinginan untuk mengembangkan dan menambah baik orkestra simfoni pada masa itu sentiasa meneka.

Dalam simfoni ke-3, Beethoven mencipta tema yang merangkumi prinsip heroik dengan kesempurnaan yang hebat dan pada masa yang sama idealnya sepadan dengan sifat tanduk semula jadi:

Dalam pergerakan perlahan simfoni ke-5nya, tanduk dan sangkakala diamanahkan dengan seruan kemenangan:

Tema kemeriahan akhir simfoni ini juga memerlukan penyertaan trombon:

Apabila mengerjakan tema lagu terakhir simfoni ke-9, Beethoven sudah pasti berusaha untuk memastikan bahawa ia boleh dimainkan pada instrumen tembaga semula jadi:

Penggunaan timpani dalam scherzo simfoni yang sama sudah pasti membuktikan niat untuk menentang rentak secara dramatik. instrumen – timpani untuk seluruh orkestra:

Malah semasa hayat Beethoven, terdapat revolusi tulen dalam reka bentuk roh tembaga. alat yang berkaitan dengan penciptaan mekanisme injap.

Komposer tidak lagi dikekang oleh kemungkinan alam semula jadi yang terhad. instrumen tembaga dan, sebagai tambahan, mendapat peluang untuk melupuskan julat ton yang lebih luas dengan selamat. Walau bagaimanapun, paip dan tanduk "kromatik" yang baru tidak serta-merta memenangi pengiktirafan sejagat - pada mulanya ia terdengar lebih buruk daripada yang semula jadi dan sering tidak memberikan kesucian yang diperlukan untuk sistem. Dan pada masa kemudian, beberapa komposer (R. Wagner, I. Brahms, NA Rimsky-Korsakov) kadang-kadang kembali kepada tafsiran tanduk dan sangkakala sebagai sifat semula jadi. instrumen, menetapkan mereka untuk bermain tanpa menggunakan injap. Secara umum, kemunculan instrumen injap membuka prospek yang luas untuk pembangunan muses selanjutnya. kreativiti, kerana dalam masa yang sesingkat mungkin kumpulan tembaga sepenuhnya terperangkap dengan rentetan dan kayu, setelah menerima peluang untuk mempersembahkan secara bebas mana-mana muzik yang paling kompleks.

Satu peristiwa penting ialah penciptaan tuba bass, yang menjadi asas yang boleh dipercayai bukan sahaja untuk kumpulan tembaga, tetapi untuk keseluruhan orkestra secara keseluruhan.

Perolehan kemerdekaan oleh kumpulan tembaga akhirnya menentukan tempat tanduk, yang sebelum itu bercantum (bergantung kepada keadaan) sama ada tembaga atau kayu. Sebagai instrumen tembaga, tanduk biasanya dimainkan bersama-sama dengan sangkakala (kadang-kadang disokong oleh timpani), iaitu, tepat sebagai satu kumpulan.

Dalam kes lain, mereka digabungkan dengan sempurna dengan instrumen kayu, terutamanya bassoon, membentuk pedal harmonika (bukan kebetulan bahawa dalam skor purba, dan kemudian dengan R. Wagner, G. Spontini, kadang-kadang dengan G. Berlioz, garis tanduk adalah diletakkan di atas bassoon, iaitu di antara kayu). Jejak dualitas ini dapat dilihat walaupun hari ini, kerana tanduk adalah satu-satunya instrumen yang menduduki tempat dalam skor bukan dalam susunan tessitura, tetapi, seolah-olah, sebagai "penghubung" antara instrumen kayu dan tembaga.

Beberapa komposer moden (contohnya, SS Prokofiev, DD Shostakovich) dalam banyak lagi. markah mencatatkan bahagian tanduk antara sangkakala dan trombon. Walau bagaimanapun, kaedah merakam tanduk mengikut tessitura mereka tidak menjadi meluas kerana kesesuaian meletakkan trombon dan paip bersebelahan antara satu sama lain dalam skor, sering bertindak bersama-sama sebagai wakil tembaga "berat" ("keras").

Kumpulan roh kayu. instrumen, reka bentuk yang terus bertambah baik, mula diperkaya secara intensif kerana pelbagai: seruling kecil dan alto, eng. tanduk, klarinet kecil dan bes, kontrabassoon. Di tingkat 2. Abad ke-19 Secara beransur-ansur, kumpulan kayu berwarna-warni terbentuk, dari segi jumlahnya bukan sahaja tidak lebih rendah daripada rentetan, malah melebihinya.

Bilangan alat perkusi juga semakin meningkat. 3-4 timpani digabungkan dengan gendang kecil dan besar, simbal, segitiga, rebana. Semakin banyak, loceng, gambang, fp., kemudian celesta muncul dalam orkestra. Warna baru diperkenalkan oleh kecapi tujuh pedal, dicipta pada awal abad ke-19 dan kemudian diperbaiki oleh S. Erar, dengan mekanisme penalaan dua kali.

Rentetan, sebaliknya, tidak kekal acuh tak acuh terhadap pertumbuhan kumpulan jiran. Untuk mengekalkan perkadaran akustik yang betul, adalah perlu untuk meningkatkan bilangan pemain pada instrumen ini kepada 14-16 biola pertama, 12-14 biola kedua, 10-12 viola, 8-12 cello, 6-8 bes berganda, yang mewujudkan kemungkinan penggunaan decomp secara meluas. pembahagian.

Berdasarkan orkestra klasik abad ke-19 berkembang secara beransur-ansur yang dihasilkan oleh idea-idea muses. romantisme (dan dengan itu mencari warna baharu dan kontras terang, sifat, program-simfoni dan muzik teater) orkestra G. Berlioz dan R. Wagner, KM Weber dan G. Verdi, PI Tchaikovsky dan NA Rimsky-Korsakov.

Dibentuk sepenuhnya di tingkat 2. Abad ke-19, wujud tanpa sebarang perubahan selama hampir seratus tahun, ia (dengan variasi kecil) masih memuaskan seni. keperluan komposer pelbagai arah dan keperibadian sebagai tarikan kepada keindahan, warna-warni, muses. penulisan bunyi, dan mereka yang berusaha untuk mendapatkan kedalaman psikologi imej muzik.

Selari dengan penstabilan orkestra, pencarian intensif untuk teknik orc baharu telah dijalankan. menulis, tafsiran baru instrumen orkestra. Teori akustik klasik. keseimbangan, dirumus berhubung dengan simfoni besar. orkestra oleh NA Rimsky-Korsakov, berpunca daripada fakta bahawa satu sangkakala (atau trombon, atau tuba) bermain cemerlang dalam yang paling ekspresif. daftar, dari segi kekuatan bunyi ia sama dengan dua tanduk, setiap satunya, pada gilirannya, sama dengan dua roh kayu. instrumen atau gabungan mana-mana subkumpulan rentetan.

PI Tchaikovsky. Simfoni 6, pergerakan I. Seruling dan klarinet mengulangi ayat yang dimainkan sebelum ini oleh viola dan cello divisi.

Pada masa yang sama, pembetulan tertentu telah dibuat untuk perbezaan dalam keamatan daftar dan untuk dinamik. warna yang boleh mengubah nisbah dalam orc. kain. Teknik penting I. klasik ialah pedal harmonik atau melodik (berlawanan), yang merupakan ciri muzik homofonik.

Utama dalam pematuhan dengan keseimbangan akustik, I. tidak boleh universal. Dia memenuhi keperluan perkadaran yang ketat, ketenangan berfikir, tetapi kurang sesuai untuk menyampaikan ekspresi yang kuat. Dalam kes ini, kaedah I., osn. pada penggandaan kuat (tiga kali ganda, empat kali ganda) beberapa suara berbanding yang lain, pada perubahan berterusan dalam timbre dan dinamik.

Teknik sedemikian adalah ciri-ciri karya beberapa komposer pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. (contohnya, AN Scriabin).

Bersama-sama dengan penggunaan timbre "tulen" (solo), komposer mula mencapai kesan khas, dengan berani mencampurkan warna yang berbeza, menggandakan suara melalui 2, 3 atau lebih oktaf, menggunakan campuran kompleks.

PI Tchaikovsky. Simfoni No. 6, pergerakan I. Seruan alat loyang dijawab setiap kali dengan gabungan alat bertali dan kayu.

Timbres tulen itu sendiri, ternyata, penuh dengan tambahan. dramaturgi. peluang, cth. perbandingan daftar tinggi dan rendah dalam instrumen kayu, penggunaan decomp bisu. tugasan untuk loyang, penggunaan kedudukan bes tinggi untuk tali, dsb. Instrumen yang sebelum ini hanya digunakan untuk memukul irama atau mengisi dan mewarna keharmonian semakin banyak digunakan sebagai pembawa tematik.

Dalam mencari pengembangan akan menyatakan. dan menggambarkan. Peluang membentuk orkestra abad ke-20. – Orkestra G. Mahler dan R. Strauss, C. Debussy dan M. Ravel, IF Stravinsky dan V. Britten, SS Prokofiev dan DD Shostakovich. Dengan semua kepelbagaian hala tuju kreatif dan personaliti ini dan beberapa lagi mahir cemerlang dalam penulisan orkestra dec. negara-negara di dunia mereka berkaitan dengan kehebatan teknik pelbagai I., osn. pada imaginasi auditori yang dibangunkan, rasa sebenar sifat instrumen dan pengetahuan yang sangat baik tentang teknikalnya. peluang.

Bermakna. tempat dalam muzik abad ke-20 yang diberikan kepada leittimbres, apabila setiap instrumen menjadi, seolah-olah, watak instrumen yang dimainkan. prestasi. Oleh itu, sistem leitmotif yang dicipta oleh Wagner mengambil bentuk baru. Oleh itu pencarian intensif untuk timbre baru. Pemain rentetan semakin bermain sul ponticello, col legno, dengan harmonik; alat tiup menggunakan teknik frullato; bermain kecapi diperkaya dengan kombinasi harmonik yang kompleks, pukulan pada tali dengan tapak tangan anda. Reka bentuk instrumen baharu muncul yang membolehkan kesan luar biasa dicapai (cth, glissando pada pedal timpani). Instrumen baru sepenuhnya dicipta (terutama perkusi), termasuk. dan elektronik. Akhirnya, dalam Symph. Orkestra semakin memperkenalkan instrumen daripada gubahan lain (saksofon, instrumen kebangsaan yang dipetik).

Keperluan baru untuk penggunaan alat biasa dibentangkan oleh wakil pergerakan avant-garde pada zaman moden. muzik. Markah mereka dikuasai oleh rentak. instrumen dengan pic tertentu (xylophone, loceng, vibraphone, gendang berbeza pic, timpani, loceng tiub), serta celesta, fp. dan pelbagai alatan kuasa. Walaupun instrumen tunduk bermakna. paling kurang digunakan oleh komposer ini untuk dipetik dan perkusi. pengeluaran bunyi, sehingga ketuk-ketuk dengan haluan pada dek instrumen. Kesan seperti mengetuk paku pada papan bunyi resonator kecapi atau mengetuk injap pada kayu juga menjadi perkara biasa. Semakin banyak, daftar instrumen yang paling melampau dan paling sengit digunakan. Di samping itu, kreativiti artis avant-garde dicirikan oleh keinginan untuk menafsirkan perdana orkestra. sebagai mesyuarat pemain solo; komposisi orkestra itu sendiri cenderung untuk dikurangkan, terutamanya disebabkan oleh penurunan dalam bilangan instrumen kumpulan.

NA Rimsky-Korsakov. "Scheherazade". bahagian II. String, bermain bukan divisi, menggunakan not berganda dan akord tiga dan empat bahagian, terangkan melodi-harmonik dengan penuh kenyang. tekstur, hanya disokong sedikit oleh alat tiupan.

Walaupun pada abad ke-20 banyak karya telah ditulis. untuk komposisi khas (varian) symph. orkestra, tiada satu pun daripada mereka menjadi tipikal, seperti sebelum orkestra busur tali, yang mana banyak karya dicipta yang mendapat populariti yang luas (contohnya, "Serenade for String Orchestra" oleh PI Tchaikovsky).

Pembangunan Orc. muzik jelas menunjukkan saling kebergantungan kreativiti dan asas materialnya. notis. kemajuan dalam reka bentuk mekanik kompleks roh kayu. alat atau dalam bidang pembuatan alat tembaga yang paling tepat ditentukur, serta banyak lagi. penambahbaikan lain dalam alat muzik akhirnya adalah hasil daripada tuntutan mendesak seni ideologi. pesanan. Sebaliknya, penambahbaikan asas material seni membuka ufuk baru untuk komposer dan penghibur, membangkitkan kreativiti mereka. fantasi dan dengan itu mewujudkan prasyarat untuk perkembangan selanjutnya seni muzik.

Jika seorang komposer bekerja pada karya orkestra, ia (atau harus) ditulis secara langsung untuk orkestra, jika tidak dalam semua butiran, maka dalam ciri utamanya. Dalam kes ini, ia pada mulanya direkodkan pada beberapa baris dalam bentuk lakaran - prototaip skor masa depan. Semakin kurang butiran tekstur orkestra yang terkandung dalam lakaran, semakin hampir ia dengan FP dua baris biasa. pembentangan, lebih banyak kerja pada I. sebenar yang perlu dilakukan dalam proses menulis skor.

M. Ravel. "Bolero". Pertumbuhan yang besar dicapai dengan menggunakan instrumentasi sahaja. Dari seruling solo dengan latar belakang sosok yang hampir tidak dapat didengari, melalui gabungan tiupan kayu, kemudian melalui campuran tali yang digandakan oleh angin…

Pada dasarnya, instrumentasi fp. drama – karya sendiri atau pengarang lain – memerlukan kreativiti. pendekatan. Sekeping dalam kes ini sentiasa hanya prototaip kerja orkestra masa depan, kerana pemain instrumental sentiasa perlu mengubah tekstur, dan selalunya dia juga terpaksa menukar daftar, menggandakan suara, menambah pedal, menyusun semula kiasan, mengisi akustik . lompang, tukar kord ketat kepada lebar, dsb. Rangkaian. pindahkan fp. persembahan kepada orkestra (kadang-kadang ditemui dalam latihan muzik) biasanya membawa kepada artistik tidak memuaskan. keputusan – seperti I. ternyata lemah dalam bunyi dan membuat kesan yang tidak baik.

Seni yang paling penting. tugas instrumentator adalah untuk menggunakan decomp. mengikut ciri dan ketegangan timbres, yang paling kuat akan mendedahkan dramaturgi ork. muzik; teknikal utama Pada masa yang sama, tugasnya adalah untuk mencapai pendengaran yang baik kepada suara dan nisbah yang betul antara pesawat pertama dan kedua (ketiga), yang memastikan pelepasan dan kedalaman orc. bunyi.

Dengan I., sebagai contoh, fp. permainan mungkin timbul dan beberapa akan menjadi pelengkap. tugas, bermula dengan pilihan kunci, yang tidak selalunya sepadan dengan kunci asal, terutamanya jika terdapat keperluan untuk menggunakan bunyi terang rentetan terbuka atau bunyi injap cemerlang instrumen tembaga. Ia juga sangat penting untuk menyelesaikan dengan betul isu semua kes pemindahan muses. frasa ke dalam daftar lain berbanding dengan yang asal, dan, akhirnya, berdasarkan rancangan pembangunan umum, tandakan dalam berapa banyak "lapisan" satu atau satu bahagian lain pengeluaran berinstrumen perlu dinyatakan.

Mungkin beberapa. I. penyelesaian hampir semua produk. (sudah tentu, jika ia tidak difikirkan secara khusus sebagai orkestra dan tidak ditulis dalam bentuk lakaran skor). Setiap keputusan ini boleh dibenarkan secara artistik dengan caranya sendiri. Walau bagaimanapun, ini sudah menjadi orc yang sedikit sebanyak berbeza. produk yang berbeza antara satu sama lain dalam warna, ketegangan dan tahap kontras antara bahagian. Ini mengesahkan bahawa I. adalah proses kreatif, tidak dapat dipisahkan daripada intipati karya.

Tuntutan Modern I. memerlukan arahan frasa yang tepat. Frasa bermakna bukan sahaja mengikut tempo yang ditetapkan dan mengikut sebutan umum dinamik. dan agogik. perintah, tetapi juga penggunaan kaedah tertentu ciri prestasi setiap instrumen. Jadi, apabila melakukan pada rentetan. instrumen, anda boleh menggerakkan busur ke atas dan ke bawah, di hujung atau di stok, dengan lancar atau mendadak, menekan tali dengan ketat atau membiarkan busur melantun, memainkan satu not untuk setiap busur atau beberapa not, dsb.

Penghibur semangat. alatan boleh menggunakan diff. kaedah meniup jet udara - daripada berusaha. dua dan tiga "bahasa" kepada legato merdu yang luas, menggunakannya untuk kepentingan frasa ekspresif. Perkara yang sama berlaku untuk instrumen moden yang lain. orkestra. Pemain instrumental mesti mengetahui semua kehalusan ini dengan teliti agar dapat membawa niatnya kepada perhatian para penghibur dengan kesempurnaan yang paling besar. Oleh itu, markah moden (berbeza dengan markah pada masa itu, apabila stok teknik persembahan yang diterima umum adalah sangat terhad dan nampaknya dianggap remeh) biasanya dititik secara literal dengan pelbagai petunjuk yang paling tepat, tanpanya muzik menjadi tidak berciri dan kehilangan nafasnya yang bergetar.

Contoh yang terkenal tentang penggunaan timbre dalam dramaturgi. dan menggambarkan. tujuannya ialah: bermain seruling dalam prelude "Afternoon of a Faun" oleh Debussy; permainan obo dan kemudian bassoon pada akhir adegan ke-2 opera Eugene Onegin (The Shepherd Plays); frasa tanduk yang jatuh ke seluruh julat dan jeritan klarinet kecil dalam puisi R. Strauss "Til Ulenspiegel"; bunyi suram klarinet bes dalam adegan ke-5 opera The Queen of Spades (Di Bilik Tidur Countess); double bass solo sebelum adegan kematian Desdemona (Otello oleh G. Verdi); semangat frullato. instrumen yang menggambarkan ketukan domba jantan dalam simfoni. puisi "Don Quixote" oleh R. Strauss; tali sul ponticello. instrumen yang menggambarkan permulaan pertempuran di Tasik Peipsi (Alexander Nevsky cantata oleh Prokofiev).

Juga patut diberi perhatian ialah biola solo dalam simfoni Berlioz "Harold in Italy" dan cello solo dalam "Don Quixote" karya Strauss, kadenza biola dalam simfoni. Suite Rimsky-Korsakov "Scheherazade". Ini dipersonifikasikan. Leittimbres, untuk semua perbezaan mereka, melakukan dramaturgi program yang penting. fungsi.

Prinsip I., dibangunkan apabila mencipta drama untuk simfoni. orkestra, terutamanya sah untuk banyak orc lain. gubahan, yang akhirnya dicipta dalam imej dan rupa simfoni. dan sentiasa masukkan dua atau tiga kumpulan instrumen homogen. Bukan kebetulan semangat itu. orkestra, serta dec. nar. nat. orkestra sering melakukan transkripsi karya yang ditulis untuk simfoni. orkestra. Susunan sedemikian adalah salah satu jenis susunan. Prinsip I. kepada. – l. bekerja tanpa makhluk. perubahan dipindahkan kepada mereka dari satu komposisi orkestra ke yang lain. Dis berleluasa perpustakaan orkestra, yang membenarkan ensembel kecil melakukan kerja-kerja yang ditulis untuk orkestra besar.

Tempat istimewa diduduki oleh I. pengarang, pertama sekali, fi. karangan. Sesetengah produk wujud dalam dua versi yang sama - dalam bentuk orc. markah dan dalam fp. persembahan (beberapa rhapsodi oleh F. Liszt, suite daripada muzik kepada “Peer Gynt” oleh E. Grieg, lakonan berasingan oleh AK Lyadov, I. Brahms, C. Debussy, suite daripada “Petrushka” oleh IF Stravinsky, suite balet “Romeo dan Juliet" oleh SS Prokofiev, dll.). Antara markah yang dicipta atas dasar FP yang terkenal. karya oleh tuan besar I., Gambar Mussorgsky-Ravel di Pameran terserlah, dipersembahkan sekerap fp mereka. prototaip. Antara karya paling penting dalam bidang I. ialah edisi opera Boris Godunov dan Khovanshchina oleh Mussorgsky dan The Stone Guest oleh Dargomyzhsky, yang dipersembahkan oleh NA Rimsky-Korsakov, dan I. baharu opera Boris Godunov dan Khovanshchina oleh Mussorgsky, dijalankan oleh DD Shostakovich.

Terdapat kesusasteraan yang luas tentang I. untuk orkestra simfoni, meringkaskan pengalaman kaya muzik simfoni. Kepada asas. Kerja-kerja termasuk "Risalah Hebat tentang Instrumentasi dan Orkestrasi Moden" Berlioz dan "Asas-asas Orkestrasi dengan Sampel Skor daripada Gubahan Sendiri" Rimsky-Korsakov. Pengarang karya-karya ini adalah komposer praktikal yang cemerlang, yang berjaya memberi respons sepenuhnya kepada keperluan mendesak pemuzik dan mencipta buku yang tidak kehilangan kepentingan utamanya. Banyak edisi membuktikan perkara ini. Risalah oleh Berlioz, ditulis pada tahun 40-an. Abad ke-19, telah disemak dan ditambah oleh R. Strauss mengikut Orc. latihan permulaan. abad ke-20

Dalam muzik uch. institusi menjalani kursus khas I., biasanya terdiri daripada dua utama. bahagian: instrumentasi dan sebenarnya I. Yang pertama daripada mereka (pengenalan) memperkenalkan instrumen, struktur, sifat, sejarah perkembangan setiap daripada mereka. Kursus I. ditumpukan kepada peraturan untuk menggabungkan instrumen, memindahkan dengan cara I. naik turun ketegangan, menulis persendirian (kumpulan) dan tutti orkestra. Apabila mengkaji kaedah seni, seseorang akhirnya bermula dari idea seni. keseluruhan produk yang dicipta (dirancang).

Teknik I. diperolehi dalam proses amali. kelas, di mana pelajar, di bawah bimbingan seorang guru, membuat transkripsi untuk orkestra perdana. fp. bekerja, berkenalan dengan sejarah orkestra. gaya dan menganalisis contoh skor terbaik; konduktor, komposer dan ahli muzik, di samping itu, berlatih membaca skor, secara amnya menghasilkan semula mereka pada piano. Tetapi amalan terbaik untuk pemain instrumen baru adalah mendengar karya mereka dalam orkestra dan menerima nasihat daripada pemuzik berpengalaman semasa latihan.

Rujukan: Rimsky-Korsakov N., Asas Orkestrasi dengan Sampel Skor daripada Gubahan Sendiri, ed. M. Steinberg, (bahagian) 1-2, Berlin – M. – St. Petersburg, 1913, sama, Penuh. coll. soch., Karya sastera dan surat-menyurat, jld. III, M., 1959; Beprik A., Tafsiran alat orkestra, M., 1948, 4961; miliknya. Esei tentang persoalan gaya orkestra, M., 1961; Chulaki M., Symphony Orchestra Instruments, L., 1950, disemak. M., 1962, 1972; Vasilenko S., Instrumentasi untuk orkestra simfoni, vol. 1, M., 1952, jld. 2, M., 1959 (disunting dan dengan tambahan oleh Yu. A. Fortunatov); Rogal-Levitsky DR, orkestra moden, vol. 1-4, M., 1953-56; Berlioz H., Grand trait d'instrumentation et d'orchestraration modernes, P., 1844, M855; beliau, Instrumentationslehre, TI 1-2, Lpz., 1905, 1955; Gevaert FA, Traite general d'instrumentation, Gand-Liège, 1863, rus. per. PI Tchaikovsky, M., 1866, M. – Leipzig, 1901, juga secara Penuh. coll. op. Tchaikovsky, jld. IIIB, disemak. dan edisi tambahan di bawah tajuk: Nouveau traite d'instrumentation, P.-Brux., 1885; Rusia trans., M., 1892, M.-Leipzig, 1913; Bahagian ke-2 bertajuk: Cours méthodique d'orchestration, P. – Brux., 1890, Rus. trans., M., 1898, 1904; Rrout, E., Instrumentation, L., 1878; Gulraud E., Traite pratique d'instrumentation, P., 1892, rus. per. G. Konyus di bawah tajuk: Panduan kepada kajian praktikal instrumentasi, M., 1892 (sebelum penerbitan edisi asal Perancis), ed. dan dengan tambahan oleh D. Rogal-Levitsky, M., 1934; Widor Ch.-M., La technique de l'orchestre moderne, P., 1904, 1906, Rus. per. dengan tambah. D. Rogal-Levitsky, Moscow, 1938; Carse A., Petunjuk praktikal mengenai orkestrasi, L., 1919; miliknya, Sejarah orkestrasi, L., 1925, rus. trans., M., 1932; beliau, Orkestra pada abad ke-18, Camb., 1940; beliau, Orkestra dari Beethoven ke Berlioz, Camb., 1948; Wellen, E., Instrumentasi Die neue, Bd 1-2, B., 1928-29; Nedwed W., Die Entwicklung der Instrumentation von der Wiener Klassik bis zu den Anfängen R. Wagners, W., 1931 (Diss.); Merill, BW, Pengenalan praktikal kepada orkestrasi dan instrumentasi, Ann Arbor (Michigan), 1937; Marescotti A.-F., Les instruments d'orchestre, leurs caractères, leurs possibilités et leur utilization dans l'orchestre moderne, P., 1950; Kennan, KW, Teknik orkestrasi, NY, 1952: Piston W., The instrumentation, NY, 1952; Coechlin Ch., Traité de l'orchestration, v. 1-3, P., 1954-56; Kunitz H., Die Instrumentation. Ein Hand- und Lehrbuch, Tl. 1-13, Lpz., 1956-61; Erph H., Lehrbuch der Instrumentation und Instrumentenkunde, Mainz, 1959; McKay GF, Orkestra kreatif, Boston, 1963; Becker H., Geschichte der Instrumentation, Köln, 1964 (Serie "Das Musikwerk", H. 24); Goleminov M., Masalah pada orkestrasi, S., 1966; Zlatanova R., Pembangunan orkestra dan orkestra, S, 1966; Pawlowsky W., Instrumentacja, Warsz., 1969.

MI Chulaki