Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

Dan saya mempunyai tanah asal; Dia hebat! A. Pleshcheev (dari G. Heine)

Rachmaninov dicipta daripada keluli dan emas; Baja di tangannya, emas di hatinya. I. Hoffman

"Saya seorang komposer Rusia, dan tanah air saya telah meninggalkan kesan pada watak dan pandangan saya." Kata-kata ini adalah milik S. Rachmaninov, komposer yang hebat, pemain piano dan konduktor yang cemerlang. Semua peristiwa paling penting dalam kehidupan sosial dan seni Rusia tercermin dalam kehidupan kreatifnya, meninggalkan tanda yang tidak dapat dihapuskan. Pembentukan dan perkembangan karya Rachmaninov jatuh pada tahun 1890-1900-an, masa ketika proses paling kompleks berlaku dalam budaya Rusia, nadi rohani berdegup kencang dan gugup. Perasaan lirik yang akut pada era yang wujud dalam Rachmaninov selalu dikaitkan dengan imej Tanah Air tercintanya, dengan infiniti hamparan luasnya, kuasa dan kehebatan ganas kuasa unsurnya, kerapuhan lembut alam musim bunga yang mekar.

Bakat Rachmaninov menampakkan dirinya lebih awal dan terang, walaupun sehingga usia dua belas tahun dia tidak menunjukkan banyak semangat untuk pelajaran muzik yang sistematik. Dia mula belajar bermain piano pada usia 4 tahun, pada tahun 1882 dia dimasukkan ke Konservatori St. Petersburg, di mana, ditinggalkan untuk perantinya sendiri, dia cukup banyak bermain-main, dan pada tahun 1885 dia dipindahkan ke Konservatori Moscow. Di sini Rachmaninoff belajar piano dengan N. Zverev, kemudian A. Siloti; dalam subjek teori dan komposisi - dengan S. Taneyev dan A. Arensky. Tinggal di rumah tumpangan dengan Zverev (1885-89), dia melalui sekolah disiplin buruh yang keras, tetapi sangat munasabah, yang mengubahnya daripada seorang yang malas dan nakal yang terdesak menjadi seorang yang sangat berkumpul dan berkemauan keras. "Yang terbaik dalam diri saya, saya berhutang kepadanya," - jadi Rachmaninov kemudiannya berkata tentang Zverev. Di konservatori, Rachmaninoff sangat dipengaruhi oleh keperibadian P. Tchaikovsky, yang, pada gilirannya, mengikuti perkembangan Seryozha kegemarannya dan, setelah menamatkan pengajian dari konservatori, membantu mementaskan opera Aleko di Teater Bolshoi, mengetahui dari karyanya. pengalaman sedih sendiri betapa sukarnya seorang pemuzik pemula untuk mengatur cara anda sendiri.

Rachmaninov lulus dari Konservatori dalam piano (1891) dan komposisi (1892) dengan Pingat Emas Besar. Pada masa ini, dia sudah pun menjadi pengarang beberapa gubahan, termasuk Prelude yang terkenal dalam C sharp minor, percintaan "In the Silence of the Secret Night", Konsert Piano Pertama, opera "Aleko", yang ditulis sebagai karya tamat pengajian. dalam masa 17 hari sahaja! Kepingan Fantasi yang diikuti, op. 3 (1892), Elegiac Trio "In Memory of a Great Artist" (1893), Suite untuk dua piano (1893), Moments of Music op. 16 (1896), percintaan, karya simfoni - "The Cliff" (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - mengesahkan pendapat Rachmaninov sebagai bakat yang kuat, mendalam, asli. Imej dan mood yang bercirikan Rachmaninoff muncul dalam karya-karya ini dalam pelbagai jenis - daripada kesedihan tragis "Momen Muzikal" dalam B minor kepada apotheosis himne percintaan "Spring Waters", daripada tekanan spontan-volisional yang keras "Momen Muzikal" dalam E minor kepada cat air terbaik dalam percintaan "Pulau ".

Kehidupan pada tahun-tahun ini adalah sukar. Tegas dan berkuasa dalam prestasi dan kreativiti, Rachmaninoff secara semula jadi adalah seorang yang terdedah, sering mengalami keraguan diri. Diganggu kesusahan material, kekacauan duniawi, mengembara di sudut-sudut aneh. Dan walaupun dia disokong oleh orang yang rapat dengannya, terutamanya keluarga Satin, dia berasa kesepian. Kejutan kuat yang disebabkan oleh kegagalan Simfoni Pertamanya, yang dipersembahkan di St. Petersburg pada Mac 1897, membawa kepada krisis kreatif. Selama beberapa tahun Rachmaninoff tidak mengarang apa-apa, tetapi aktiviti persembahannya sebagai pemain piano semakin meningkat, dan dia membuat debutnya sebagai konduktor di Moscow Private Opera (1897). Pada tahun-tahun ini, dia bertemu L. Tolstoy, A. Chekhov, artis Teater Seni, memulakan persahabatan dengan Fyodor Chaliapin, yang Rachmaninov dianggap sebagai salah satu "pengalaman artistik yang paling berkuasa, mendalam dan halus." Pada tahun 1899, Rachmaninoff membuat persembahan di luar negara untuk kali pertama (di London), dan pada tahun 1900 dia melawat Itali, di mana lakaran opera Francesca da Rimini muncul. Acara yang menggembirakan ialah pementasan opera Aleko di St. Petersburg sempena ulang tahun ke-100 A. Pushkin dengan Chaliapin sebagai Aleko. Oleh itu, titik perubahan dalaman sedang disediakan secara beransur-ansur, dan pada awal 1900-an. terdapat kembali kepada kreativiti. Abad baru bermula dengan Konsert Piano Kedua, yang berbunyi seperti penggera yang kuat. Orang sezaman mendengar dalam dirinya suara Masa dengan ketegangan, letupan, dan rasa perubahan yang akan berlaku. Kini genre konsert menjadi yang terkemuka, di dalamnya idea-idea utama dijelmakan dengan kesempurnaan dan keterangkuman yang paling besar. Tahap baru bermula dalam kehidupan Rachmaninov.

Pengiktirafan umum di Rusia dan di luar negara menerima aktiviti pianis dan konduktornya. 2 tahun (1904-06) Rachmaninov bekerja sebagai konduktor di Teater Bolshoi, meninggalkan dalam sejarahnya ingatan produksi indah opera Rusia. Pada tahun 1907 beliau mengambil bahagian dalam Konsert Sejarah Rusia yang dianjurkan oleh S. Diaghilev di Paris, pada tahun 1909 beliau membuat persembahan buat kali pertama di Amerika, di mana beliau memainkan Konsert Piano Ketiga yang dikendalikan oleh G. Mahler. Aktiviti konsert intensif di bandar-bandar di Rusia dan di luar negara digabungkan dengan kreativiti yang tidak kurang hebatnya, dan dalam muzik dekad ini (dalam cantata "Spring" - 1902, dalam preludes op. 23, di akhir Symphony Kedua dan Konserto Ketiga) terdapat banyak semangat dan semangat yang membara. Dan dalam komposisi seperti percintaan "Lilac", "Ia bagus di sini", dalam pendahuluan dalam D major dan G major, "muzik nyanyian kuasa alam" dibunyikan dengan penembusan yang menakjubkan.

Tetapi pada tahun-tahun yang sama, perasaan lain juga dirasai. Fikiran sedih tentang tanah air dan nasib masa depannya, refleksi falsafah tentang hidup dan mati menimbulkan imej tragis Sonata Piano Pertama, yang diilhamkan oleh Goethe's Faust, puisi simfoni "The Island of the Dead" berdasarkan lukisan oleh artis Switzerland A. Böcklin (1909), banyak halaman Konserto Ketiga, romances op. 26. Perubahan dalaman menjadi sangat ketara selepas 1910. Jika dalam Konserto Ketiga tragedi itu akhirnya dapat diatasi dan konserto itu berakhir dengan apotheosis yang menggembirakan, maka dalam karya-karya yang mengikutinya ia terus mendalam, menghidupkan imej yang agresif, bermusuhan, suram, mood tertekan. Bahasa muzik menjadi lebih kompleks, nafas melodi yang luas sehingga ciri Rachmaninov hilang. Begitulah puisi vokal-simfoni "The Bells" (di st. E. Poe, diterjemahkan oleh K. Balmont - 1913); percintaan op. 34 (1912) dan op. 38 (1916); Etudes-lukisan op. 39 (1917). Walau bagaimanapun, pada masa inilah Rachmaninoff mencipta karya yang penuh dengan makna etika yang tinggi, yang menjadi personifikasi keindahan rohani yang kekal, kemuncak melodi Rachmaninov - "Vocalise" dan "All-Night Vigil" untuk koir a cappella (1915). “Sejak kecil, saya terpesona dengan melodi Oktoikh yang mengagumkan. Saya sentiasa merasakan bahawa gaya istimewa dan istimewa diperlukan untuk pemprosesan paduan suara mereka, dan, nampaknya saya, saya menemuinya dalam Vespers. Saya tidak boleh tidak mengaku. bahawa persembahan pertamanya oleh Moscow Synodal Choir memberi saya satu jam keseronokan yang paling menggembirakan,” Rachmaninov teringat.

Pada 24 Disember 1917, Rachmaninov dan keluarganya meninggalkan Rusia, ternyata, selama-lamanya. Selama lebih seperempat abad dia tinggal di negara asing, di Amerika Syarikat, dan tempoh ini kebanyakannya penuh dengan aktiviti konsert yang meletihkan, tertakluk kepada undang-undang kejam perniagaan muzik. Rachmaninov menggunakan sebahagian besar daripada yurannya untuk memberikan sokongan material kepada rakan senegaranya di luar negara dan di Rusia. Oleh itu, keseluruhan koleksi untuk persembahan pada April 1922 telah dipindahkan kepada manfaat kelaparan di Rusia, dan pada musim gugur 1941 Rakhmaninov menghantar lebih daripada empat ribu dolar kepada dana bantuan Tentera Merah.

Di luar negara, Rachmaninoff tinggal dalam pengasingan, mengehadkan kalangan kawannya kepada pendatang dari Rusia. Pengecualian dibuat hanya untuk keluarga F. Steinway, ketua firma piano, yang mempunyai hubungan mesra dengan Rachmaninov.

Tahun-tahun pertama tinggal di luar negara, Rachmaninov tidak meninggalkan pemikiran kehilangan inspirasi kreatif. “Selepas meninggalkan Rusia, saya hilang keinginan untuk mengarang. Setelah kehilangan tanah air saya, saya kehilangan diri saya sendiri.” Hanya 8 tahun selepas meninggalkan luar negara, Rachmaninov kembali kepada kreativiti, mencipta Konserto Piano Keempat (1926), Tiga Lagu Rusia untuk Koir dan Orkestra (1926), Variasi pada Tema Corelli untuk piano (1931), Rhapsody pada Tema Paganini (1934), Simfoni Ketiga (1936), "Tarian Simfoni" (1940). Kerja-kerja ini adalah yang terakhir, kenaikan tertinggi Rachmaninoff. Perasaan sedih kehilangan yang tidak dapat diperbaiki, kerinduan yang membara untuk Rusia menimbulkan seni kuasa tragis yang sangat besar, mencapai kemuncaknya dalam Tarian Symphonic. Dan dalam Symphony Ketiga yang cemerlang, Rachmaninoff merangkumi tema utama karyanya untuk kali terakhir - imej Tanah Air. Pemikiran sengit yang tertumpu pada artis membangkitkannya dari kedalaman berabad-abad, dia muncul sebagai ingatan yang tidak terhingga. Dalam jalinan kompleks pelbagai tema, episod, perspektif yang luas muncul, epik dramatik tentang nasib Tanah Air dicipta semula, berakhir dengan peneguhan hidup yang menang. Jadi melalui semua karya Rachmaninoff dia membawa prinsip etikanya yang tidak boleh dilanggar, kerohanian yang tinggi, kesetiaan dan cinta yang tidak dapat dielakkan untuk Tanah Air, yang personifikasinya adalah seninya.

O. Averyanova

• Muzium-estet Rachmaninov di Ivanovka →
• Karya piano oleh Rachmaninoff →
• Karya simfoni Rachmaninoff →
• Seni instrumental ruang Rachmaninov →
• Opera karya Rachmaninoff →
• Karya koral oleh Rachmaninoff →
• Percintaan oleh Rachmaninoff →
• Rachmaninov-konduktor →

Ciri-ciri kreativiti

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, bersama Scriabin, adalah salah seorang tokoh utama dalam muzik Rusia pada tahun 1900-an. Karya kedua-dua komposer ini menarik perhatian terutamanya orang sezaman, mereka berhujah mengenainya, perbincangan bercetak yang tajam bermula di sekitar karya masing-masing. Walaupun semua perbezaan penampilan individu dan struktur kiasan muzik Rachmaninov dan Scriabin, nama mereka sering muncul bersebelahan dalam pertikaian ini dan dibandingkan antara satu sama lain. Terdapat alasan luaran semata-mata untuk perbandingan sedemikian: kedua-duanya adalah murid Konservatori Moscow, yang lulus darinya hampir serentak dan belajar dengan guru yang sama, kedua-duanya segera menonjol di kalangan rakan sebaya mereka dengan kekuatan dan kecemerlangan bakat mereka, menerima pengiktirafan bukan hanya sebagai komposer berbakat tinggi, tetapi juga sebagai pemain piano yang cemerlang.

Tetapi terdapat juga banyak perkara yang memisahkan mereka dan kadang-kadang meletakkan mereka di bahagian yang berbeza dalam kehidupan muzik. Inovator berani Scriabin, yang membuka dunia muzik baharu, menentang Rachmaninov sebagai artis yang berfikiran lebih tradisional yang mengasaskan karyanya pada asas kukuh warisan klasik negara. “G. Rachmaninoff, menulis salah seorang pengkritik, adalah tonggak di mana semua juara arah sebenar dikumpulkan, semua orang yang menghargai asas yang diletakkan oleh Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov dan Tchaikovsky.

Walau bagaimanapun, untuk semua perbezaan dalam kedudukan Rachmaninov dan Scriabin dalam realiti muzik kontemporari mereka, mereka dibawa bersama bukan sahaja oleh syarat umum untuk didikan dan pertumbuhan personaliti kreatif pada masa muda mereka, tetapi juga oleh beberapa ciri persamaan yang lebih mendalam. . "Bakat yang memberontak, gelisah" - ini adalah bagaimana Rakhmaninov pernah dicirikan dalam akhbar. Ini adalah impulsif yang tidak tenang, keseronokan nada emosi, ciri kerja kedua-dua komposer, yang menjadikannya sangat disayangi dan dekat dengan kalangan luas masyarakat Rusia pada awal abad ke-XNUMX, dengan jangkaan, aspirasi dan harapan mereka yang cemas. .

"Scriabin dan Rachmaninoff adalah dua 'penguasa pemikiran muzik' dunia muzik Rusia moden <...> Kini mereka berkongsi hegemoni sesama mereka dalam dunia muzik," akui LL Sabaneev, salah seorang pengampu yang paling bersemangat untuk yang pertama dan lawan yang sama degil dan pencacai kedua. Seorang lagi pengkritik, lebih sederhana dalam penilaiannya, menulis dalam artikel yang dikhaskan untuk perihalan perbandingan tiga wakil paling terkenal dari sekolah muzik Moscow, Taneyev, Rachmaninov dan Scriabin: nada kehidupan moden yang sangat sengit. Kedua-duanya adalah harapan terbaik Rusia moden.”

Untuk masa yang lama, pandangan Rachmaninoff sebagai salah satu pewaris dan pengganti Tchaikovsky yang paling dekat didominasi. Pengaruh pengarang The Queen of Spades tidak diragukan lagi memainkan peranan penting dalam pembentukan dan perkembangan karyanya, yang agak semula jadi untuk lulusan Konservatori Moscow, pelajar AS Arensky dan SI Taneyev. Pada masa yang sama, dia juga melihat beberapa ciri sekolah komposer "Petersburg": lirik Tchaikovsky yang teruja digabungkan dalam Rachmaninov dengan kemegahan epik Borodin yang keras, penembusan mendalam Mussorgsky ke dalam sistem pemikiran muzik Rusia kuno dan persepsi puitis tentang sifat asli Rimsky-Korsakov. Walau bagaimanapun, segala yang dipelajari daripada guru dan pendahulu telah difikirkan semula dengan mendalam oleh komposer, mematuhi kehendak kreatifnya yang kuat, dan memperoleh watak individu yang baru dan bebas sepenuhnya. Gaya asli Rachmaninov mempunyai integriti dalaman yang hebat dan organik.

Sekiranya kita mencari persamaan dengannya dalam budaya artistik Rusia pada permulaan abad ini, maka ini, pertama sekali, garis Chekhov-Bunin dalam kesusasteraan, landskap lirik Levitan, Nesterov, Ostroukhov dalam lukisan. Persamaan ini telah berulang kali diperhatikan oleh pelbagai pengarang dan telah menjadi hampir stereotaip. Ia diketahui dengan kasih sayang dan penghormatan yang penuh semangat Rakhmaninov merawat kerja dan keperibadian Chekhov. Sudah pada tahun-tahun akhir hidupnya, membaca surat penulis, dia menyesal kerana dia tidak bertemu dengannya lebih dekat pada zamannya. Komposer dikaitkan dengan Bunin selama bertahun-tahun dengan simpati bersama dan pandangan artistik yang sama. Mereka disatukan dan dikaitkan dengan cinta yang ghairah untuk sifat asli Rusia mereka, untuk tanda-tanda kehidupan sederhana yang sudah pergi di sekitar seseorang ke dunia di sekelilingnya, sikap puitis dunia, diwarnai oleh kedalaman. lirik yang menembusi, kehausan akan pembebasan rohani dan pembebasan dari belenggu yang mengekang kebebasan manusia.

Sumber inspirasi untuk Rachmaninov adalah pelbagai impuls yang terpancar dari kehidupan sebenar, keindahan alam, imej sastera dan lukisan. “… Saya dapati,” katanya, “idea muzik lahir dalam diri saya dengan lebih mudah di bawah pengaruh kesan tambahan muzik tertentu.” Tetapi pada masa yang sama, Rachmaninov tidak berusaha keras untuk mencerminkan langsung fenomena realiti tertentu melalui muzik, untuk "melukis dalam bunyi", tetapi untuk ekspresi reaksi emosi, perasaan dan pengalaman yang timbul di bawah pengaruh pelbagai tanggapan yang diterima secara luaran. Dalam pengertian ini, kita boleh bercakap tentang dia sebagai salah satu wakil realisme puisi yang paling menonjol dan tipikal pada tahun 900-an, trend utama yang berjaya dirumuskan oleh VG Korolenko: "Kami tidak hanya mencerminkan fenomena sebagaimana adanya dan dilakukan. tidak mencipta ilusi daripada kehendak dunia yang tidak wujud. Kita mencipta atau mewujudkan hubungan baru roh manusia dengan dunia sekeliling yang lahir dalam diri kita.

Salah satu ciri paling ciri muzik Rachmaninov, yang menarik perhatian pertama sekali apabila berkenalan dengannya, adalah melodi yang paling ekspresif. Di kalangan rakan seangkatannya, dia menonjol kerana kebolehannya mencipta melodi pernafasan yang luas dan panjang, menggabungkan keindahan dan keplastikan lukisan dengan ekspresi yang terang dan sengit. Melodisme, melodiousness adalah kualiti utama gaya Rachmaninov, yang sebahagian besarnya menentukan sifat pemikiran harmonik komposer dan tekstur karyanya, tepu, sebagai peraturan, dengan suara bebas, sama ada bergerak ke hadapan, atau hilang menjadi padat padat. kain bunyi.

Rachmaninoff mencipta jenis melodinya yang sangat istimewa, berdasarkan gabungan teknik ciri Tchaikovsky – pembangunan melodi dinamik intensif dengan kaedah transformasi varian, dijalankan dengan lebih lancar dan tenang. Selepas berlepas pantas atau pendakian sengit yang lama ke atas, melodi, seolah-olah, membeku pada tahap yang dicapai, sentiasa kembali kepada satu bunyi yang dinyanyikan lama, atau perlahan-lahan, dengan tebing yang melonjak, kembali ke ketinggian asalnya. Hubungan songsang juga mungkin, apabila tinggal lebih kurang lama dalam satu zon altitud tinggi terhad tiba-tiba dipecahkan oleh laluan melodi untuk selang yang luas, memperkenalkan bayangan ekspresi lirik yang tajam.

Dalam interpenetrasi dinamik dan statik sedemikian, LA Mazel melihat salah satu ciri paling ciri melodi Rachmaninov. Seorang penyelidik lain melampirkan makna yang lebih umum kepada nisbah prinsip ini dalam karya Rachmaninov, menunjuk kepada silih berganti detik "brek" dan "penerobosan" yang mendasari banyak karya beliau. (VP Bobrovsky menyatakan idea yang sama, dengan menyatakan bahawa "keajaiban keperibadian Rachmaninoff terletak pada kesatuan organik yang unik dari dua kecenderungan berlawanan arah dan sintesisnya hanya wujud dalam dirinya" - aspirasi aktif dan kecenderungan untuk "bertahan lama pada apa yang telah tercapai.”). Kegemaran untuk lirik kontemplatif, rendaman yang berpanjangan dalam satu keadaan fikiran, seolah-olah komposer ingin menghentikan masa yang singkat, dia digabungkan dengan tenaga luar yang besar dan tergesa-gesa, dahaga untuk pengesahan diri yang aktif. Oleh itu kekuatan dan ketajaman kontras dalam muziknya. Dia berusaha untuk membawa setiap perasaan, setiap keadaan fikiran ke tahap ekspresi yang melampau.

Dalam melodi lirik Rachmaninov yang terbuka secara bebas, dengan nafas panjang dan tanpa gangguan, seseorang sering mendengar sesuatu yang serupa dengan keluasan "tidak dapat dielakkan" dari lagu rakyat Rusia yang berlarutan. Walau bagaimanapun, pada masa yang sama, perkaitan antara kreativiti Rachmaninov dan penulisan lagu rakyat adalah bersifat sangat tidak langsung. Hanya dalam kes terpencil yang jarang berlaku, komposer menggunakan lagu rakyat asli; dia tidak berusaha untuk persamaan langsung melodinya sendiri dengan melodi rakyat. "Dalam Rachmaninov," pengarang karya khas pada melodinya dengan betul menyatakan, "jarang muncul secara langsung hubungan dengan genre seni rakyat tertentu. Secara khusus, genre itu sering kelihatan larut dalam "perasaan" umum rakyat dan bukan, seperti yang berlaku pada pendahulunya, permulaan yang mengukuhkan keseluruhan proses membentuk dan menjadi imej muzik. Berulang kali, perhatian telah diberikan kepada ciri-ciri ciri melodi Rachmaninov, yang membawanya lebih dekat kepada lagu rakyat Rusia, seperti kelancaran pergerakan dengan dominasi langkah demi langkah, diatonis, banyak giliran Frigia, dll. Diasimilasikan secara mendalam dan organik oleh komposer, ciri-ciri ini menjadi hak milik yang tidak boleh dipisahkan dari gaya pengarang individunya, memperoleh pewarna ekspresif khas yang khas hanya kepadanya.

Sisi lain gaya ini, sangat mengagumkan seperti kekayaan melodi muzik Rachmaninov, adalah irama yang luar biasa bertenaga, menawan dan pada masa yang sama fleksibel, kadang-kadang aneh. Kedua-dua komposer sezaman dan penyelidik kemudian banyak menulis tentang ini khususnya irama Rachmaninoff, yang secara tidak sengaja menarik perhatian pendengar. Selalunya ia adalah irama yang menentukan nada utama muzik. AV Ossovsky menyatakan pada tahun 1904 mengenai pergerakan terakhir Suite Kedua untuk Dua Piano bahawa Rachmaninov di dalamnya "tidak takut untuk memperdalam minat berirama bentuk Tarantella kepada jiwa yang gelisah dan gelap, tidak asing kepada serangan sejenis demonisme di kali.”

Irama muncul dalam Rachmaninov sebagai pembawa prinsip kehendak yang berkesan yang mendinamikan fabrik muzik dan memperkenalkan "banjir perasaan" lirik ke dalam arus perdana keseluruhan yang lengkap dari segi seni bina yang harmoni. BV Asafiev, membandingkan peranan prinsip berirama dalam karya Rachmaninov dan Tchaikovsky, menulis: "Walau bagaimanapun, pada yang terakhir, sifat asas simfoni" gelisah "nya menampakkan diri dengan kekuatan tertentu dalam perlanggaran dramatik tema itu sendiri. Dalam muzik Rachmaninov, yang sangat bersemangat dalam integriti kreatifnya, penyatuan gudang perasaan lirik-kontemplatif dengan gudang organisasi yang berkemauan kuat dari "I" komposer-pelaku ternyata menjadi "sfera individu" renungan peribadi, yang dikawal oleh irama dalam maksud faktor kehendak … “. Corak irama dalam Rachmaninov sentiasa digariskan dengan sangat jelas, tidak kira sama ada irama itu mudah, malah, seperti rentak berat, diukur loceng besar, atau kompleks, berbunga-bunga yang rumit. Digemari oleh komposer, terutamanya dalam karya tahun 1910-an, ostinato berirama memberikan irama bukan sahaja formatif, tetapi dalam beberapa kes juga kepentingan tematik.

Dalam bidang keharmonian, Rachmaninoff tidak melampaui sistem major-minor klasik dalam bentuk yang diperolehnya dalam karya komposer romantik Eropah, Tchaikovsky dan wakil-wakil Mighty Handful. Muziknya sentiasa ditakrifkan secara tona dan stabil, tetapi dalam menggunakan cara harmoni tonal klasik-romantik, dia dicirikan oleh beberapa ciri ciri yang tidak sukar untuk mewujudkan kepengarangan satu atau komposisi lain. Antara ciri-ciri individu istimewa bahasa harmonik Rachmaninov adalah, sebagai contoh, kelambatan pergerakan berfungsi yang terkenal, kecenderungan untuk kekal dalam satu kunci untuk masa yang lama, dan kadang-kadang kelemahan graviti. Perhatian diberikan kepada banyaknya formasi berbilang-tert yang kompleks, deretan kord bukan dan tak perpuluhan, selalunya mempunyai lebih banyak warna, fonik daripada kepentingan fungsi. Sambungan harmoni kompleks jenis ini dijalankan kebanyakannya dengan bantuan sambungan melodi. Penguasaan unsur lagu melodi dalam muzik Rachmaninov menentukan tahap ketepuan polifonik yang tinggi pada fabrik bunyinya: kompleks harmonik individu sentiasa timbul akibat pergerakan bebas lebih kurang suara "nyanyian" bebas.

Terdapat satu giliran harmonik kegemaran Rachmaninoff, yang sering digunakannya, terutamanya dalam gubahan zaman awal, sehingga dia menerima nama "harmoni Rachmaninov". Perolehan ini berdasarkan kord ketujuh pengenalan yang dikurangkan bagi minor harmonik, biasanya digunakan dalam bentuk terzkvartakkord dengan penggantian darjah II III dan resolusi menjadi triad tonik dalam kedudukan ketiga melodi.

Pergerakan ke kuar yang dikurangkan yang timbul dalam kes ini dalam suara merdu membangkitkan perasaan sedih yang pedih.

Sebagai salah satu ciri luar biasa muzik Rachmaninov, beberapa penyelidik dan pemerhati mencatatkan pewarnaan kecil yang dominan. Keempat-empat konsert pianonya, tiga simfoni, kedua-dua sonata piano, kebanyakan gambar etudes dan banyak gubahan lain ditulis dalam minor. Malah major sering memperoleh pewarnaan kecil kerana perubahan yang semakin berkurangan, sisihan tonal dan penggunaan langkah sampingan kecil yang meluas. Tetapi beberapa komposer telah mencapai pelbagai nuansa dan darjah kepekatan ekspresif dalam penggunaan kunci kecil. Kenyataan LE Gakkel bahawa dalam etudes-paintings op. 39 “memandangkan julat terluas warna kecil makhluk, warna kecil perasaan hidup” boleh diperluaskan kepada sebahagian besar daripada semua karya Rachmaninoff. Pengkritik seperti Sabaneev, yang menyimpan permusuhan berprasangka terhadap Rachmaninov, memanggilnya "seorang perengek yang bijak," yang muziknya mencerminkan "ketidakberdayaan tragis seorang lelaki yang tidak mempunyai kemahuan." Sementara itu, anak kecil "gelap" Rachmaninov sering terdengar berani, memprotes dan penuh dengan ketegangan kehendak yang luar biasa. Dan jika nota-nota sedih ditangkap oleh telinga, maka ini adalah "kesedihan yang mulia" dari artis patriot, yang "mengeluh mengerang tentang tanah asal", yang didengari oleh M. Gorky dalam beberapa karya Bunin. Seperti penulis yang rapat dengannya dalam semangat, Rachmaninov, dalam kata-kata Gorky, "memikirkan Rusia secara keseluruhan", menyesali kehilangannya dan mengalami kebimbangan untuk nasib masa depan.

Imej kreatif Rachmaninov dalam ciri utamanya kekal penting dan stabil sepanjang perjalanan separuh abad komposer, tanpa mengalami keretakan dan perubahan yang tajam. Prinsip estetik dan gaya, dipelajari pada masa mudanya, dia setia hingga tahun-tahun terakhir hidupnya. Walau bagaimanapun, kita dapat melihat evolusi tertentu dalam karyanya, yang menunjukkan dirinya bukan sahaja dalam pertumbuhan kemahiran, pengayaan palet bunyi, tetapi juga sebahagiannya mempengaruhi struktur kiasan dan ekspresif muzik. Pada laluan ini, tiga besar, walaupun tidak sama rata dalam tempoh dan dari segi tahap produktiviti mereka, tempoh digariskan dengan jelas. Mereka dibataskan antara satu sama lain oleh caesuras sementara yang lebih kurang panjang, kumpulan keraguan, renungan dan keraguan, apabila tidak ada satu karya yang telah siap keluar dari pena komposer. Tempoh pertama, yang jatuh pada 90-an abad ke-XNUMX, boleh dipanggil masa pembangunan kreatif dan kematangan bakat, yang pergi untuk menegaskan laluannya melalui mengatasi pengaruh semula jadi pada usia awal. Karya zaman ini selalunya belum cukup bebas, tidak sempurna dalam bentuk dan tekstur. (Sesetengah daripadanya (Konsert Piano Pertama, Elegiac Trio, kepingan piano: Melody, Serenade, Humoresque) kemudiannya disemak semula oleh komposer dan teksturnya diperkaya dan dikembangkan.), walaupun dalam beberapa halaman mereka (momen terbaik opera muda "Aleko", Elegiac Trio dalam ingatan PI Tchaikovsky, mukadimah terkenal dalam C-sharp minor, beberapa detik muzik dan percintaan), keperibadian komposer telah pun didedahkan dengan cukup pasti.

Jeda yang tidak dijangka berlaku pada tahun 1897, selepas persembahan Rachmaninov's First Symphony yang tidak berjaya, sebuah karya di mana komposer melaburkan banyak kerja dan tenaga rohani, yang tidak difahami oleh kebanyakan pemuzik dan hampir sebulat suara dikutuk di halaman akhbar, malah diejek. oleh beberapa pengkritik. Kegagalan simfoni menyebabkan trauma mental yang mendalam dalam Rachmaninoff; menurut pengakuannya sendiri, kemudian, dia "seperti seorang lelaki yang diserang angin ahmar dan yang untuk masa yang lama kehilangan kedua-dua kepala dan tangannya." Tiga tahun berikutnya adalah tahun yang hampir lengkap dengan kesunyian kreatif, tetapi pada masa yang sama memusatkan refleksi, penilaian semula kritikal terhadap semua yang dilakukan sebelum ini. Hasil kerja dalaman komposer yang sengit ini pada dirinya sendiri adalah peningkatan kreatif yang luar biasa sengit dan terang pada permulaan abad baru.

Dalam tempoh tiga atau empat tahun pertama abad ke-23, Rakhmaninov mencipta beberapa karya pelbagai genre, yang luar biasa untuk puisi yang mendalam, kesegaran dan kedekatan inspirasi, di mana kekayaan imaginasi kreatif dan keaslian "tulisan tangan" pengarang. digabungkan dengan ketukangan siap tinggi. Antaranya ialah Konsert Piano Kedua, Suite Kedua untuk dua piano, sonata untuk cello dan piano, cantata "Spring", Ten Preludes op. XNUMX, opera "Francesca da Rimini", beberapa contoh terbaik lirik vokal Rachmaninov ("Lilac", "Petikan dari A. Musset"), Siri karya ini menetapkan kedudukan Rachmaninoff sebagai salah satu komposer Rusia terbesar dan paling menarik zaman kita, membawanya pengiktirafan luas dalam kalangan cerdik pandai artistik dan dalam kalangan pendengar.

Tempoh masa yang agak singkat dari 1901 hingga 1917 adalah yang paling membuahkan hasil dalam karyanya: selama satu setengah dekad ini, kebanyakan karya Rachmaninov yang matang dan bebas telah ditulis, yang menjadi sebahagian daripada muzik klasik negara. Hampir setiap tahun membawa opus baru, yang penampilannya menjadi acara penting dalam kehidupan muzik. Dengan aktiviti kreatif Rachmaninoff yang tidak henti-henti, karyanya tidak kekal dalam tempoh ini: pada permulaan dua dekad pertama, gejala peralihan pembuatan bir kelihatan di dalamnya. Tanpa kehilangan kualiti "generik" amnya, ia menjadi lebih teruk dalam nada, mood yang mengganggu bertambah hebat, manakala curahan langsung perasaan lirik nampaknya perlahan, warna lutsinar terang kelihatan kurang kerap pada palet bunyi komposer, warna keseluruhan muzik menjadi gelap dan pekat. Perubahan ini ketara dalam siri kedua preludes piano, op. 32, dua kitaran lukisan etudes, dan terutamanya gubahan besar yang monumental seperti "The Bells" dan "All-Night Vigil", yang mengemukakan persoalan yang mendalam dan asas tentang kewujudan manusia dan tujuan hidup seseorang.

Evolusi yang dialami oleh Rachmaninov tidak terlepas daripada perhatian rakan seangkatannya. Salah seorang pengkritik menulis tentang The Bells: “Rakhmaninov nampaknya telah mula mencari mood baharu, cara baharu meluahkan fikirannya … Anda merasakan di sini gaya baharu Rachmaninov yang dilahirkan semula, yang tidak mempunyai persamaan dengan gaya Tchaikovsky. ”

Selepas 1917, rehat baru dalam kerja Rachmaninov bermula, kali ini lebih lama daripada yang sebelumnya. Hanya selepas satu dekad, komposer kembali menggubah muzik, setelah mengatur tiga lagu rakyat Rusia untuk koir dan orkestra dan menyelesaikan Konsert Piano Keempat, yang bermula pada malam Perang Dunia Pertama. Semasa 30-an dia menulis (kecuali beberapa transkripsi konsert untuk piano) hanya empat, bagaimanapun, penting dari segi idea karya utama.

* * *

Dalam persekitaran yang kompleks, pencarian yang sering bercanggah, perjuangan arah yang tajam dan sengit, pecahan bentuk biasa kesedaran artistik yang mencirikan perkembangan seni muzik pada separuh pertama abad ke-XNUMX, Rachmaninoff tetap setia kepada karya klasik yang hebat. tradisi muzik Rusia dari Glinka hingga Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov dan pelajar terdekat dan langsung mereka serta pengikut Taneyev, Glazunov. Tetapi dia tidak mengehadkan dirinya kepada peranan penjaga tradisi ini, tetapi secara aktif, secara kreatif melihatnya, menegaskan hidup mereka, kuasa yang tidak habis-habisnya, keupayaan untuk pembangunan dan pengayaan selanjutnya. Seorang artis yang sensitif dan mudah terpengaruh, Rachmaninov, walaupun berpegang pada ajaran klasik, tidak tetap pekak terhadap panggilan kemodenan. Dalam sikapnya terhadap trend gaya baru abad ke-XNUMX, terdapat detik-detik bukan sahaja konfrontasi, tetapi juga interaksi tertentu.

Dalam tempoh setengah abad, karya Rachmaninov telah mengalami evolusi yang ketara, dan karya-karya bukan sahaja pada tahun 1930-an, tetapi juga pada tahun 1910-an berbeza dengan ketara dalam struktur kiasan mereka dan dalam bahasa, cara ekspresi muzik dari awal, belum lagi. opuses bebas sepenuhnya dari penghujung yang sebelumnya. berabad-abad. Dalam sesetengah daripada mereka, komposer bersentuhan dengan impresionisme, simbolisme, neoklasikisme, walaupun dengan cara yang sangat pelik, dia secara individu melihat unsur-unsur trend ini. Dengan semua perubahan dan perubahan, imej kreatif Rachmaninov kekal sangat penting secara dalaman, mengekalkan ciri asas yang menentukan bahawa muziknya berhutang popularitinya kepada pendengar terluas: lirik yang penuh ghairah, menawan hati, kebenaran dan ketulusan ekspresi, visi puitis dunia .

Yu. Ayuh

Konduktor Rachmaninoff

Rachmaninov turun dalam sejarah bukan sahaja sebagai komposer dan pemain piano, tetapi juga sebagai konduktor yang luar biasa pada zaman kita, walaupun sisi aktivitinya tidak begitu lama dan sengit.

Rachmaninov membuat debutnya sebagai konduktor pada musim luruh tahun 1897 di Mamontov Private Opera di Moscow. Sebelum itu, dia tidak perlu memimpin orkestra dan belajar mengendalikan, tetapi bakat cemerlang pemuzik itu membantu Rachmaninoff dengan cepat mempelajari rahsia penguasaan. Cukuplah untuk mengingati bahawa dia hampir tidak berjaya menyelesaikan latihan pertama: dia tidak tahu bahawa penyanyi perlu menunjukkan pengenalan; dan beberapa hari kemudian, Rachmaninov telah pun menjalankan tugasnya dengan sempurna, mengendalikan opera Saint-Saens Samson dan Delilah.

"Tahun saya tinggal di opera Mamontov sangat penting bagi saya," tulisnya. "Di sana saya memperoleh teknik konduktor tulen, yang kemudiannya memberi saya manfaat yang luar biasa." Semasa musim bekerja sebagai konduktor kedua teater, Rachmaninov menjalankan dua puluh lima persembahan sembilan opera: "Samson dan Delilah", "Mermaid", "Carmen", "Orpheus" oleh Gluck, "Rogneda" oleh Serov, " Mignon” oleh Tom, “Kubur Askold”, “Kekuatan Musuh”, “Malam Mei”. Akhbar segera mencatatkan kejelasan gaya konduktornya, keaslian, kekurangan postur, rasa besi irama yang dihantar kepada penghibur, rasa halus dan rasa indah warna orkestra. Dengan perolehan pengalaman, ciri-ciri Rachmaninoff sebagai seorang pemuzik mula menampakkan diri sepenuhnya, dilengkapi dengan keyakinan dan kuasa dalam bekerja dengan pemain solo, koir dan orkestra.

Dalam beberapa tahun akan datang, Rachmaninoff, yang sibuk dengan komposisi dan aktiviti piano, dijalankan hanya sekali-sekala. Zaman kegemilangan bakat konduktornya jatuh pada tempoh 1904-1915. Selama dua musim dia telah bekerja di Teater Bolshoi, di mana tafsirannya tentang opera Rusia menikmati kejayaan tertentu. Peristiwa bersejarah dalam kehidupan teater dipanggil oleh pengkritik sebagai persembahan ulang tahun Ivan Susanin, yang dilakukannya untuk menghormati ulang tahun ke-XNUMX kelahiran Glinka, dan Minggu Tchaikovsky, di mana Rachmaninov mengendalikan The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik dan balet.

Kemudian, Rachmaninov mengarahkan persembahan The Queen of Spades di St. Petersburg; pengulas bersetuju bahawa dialah yang pertama memahami dan menyampaikan kepada penonton keseluruhan makna tragis opera itu. Antara kejayaan kreatif Rachmaninov di Teater Bolshoi juga ialah penerbitan Pan Voevoda karya Rimsky-Korsakov dan operanya sendiri The Miserly Knight dan Francesca da Rimini.

Di pentas simfoni, Rachmaninov dari konsert pertama membuktikan dirinya sebagai tuan yang lengkap dalam skala besar. Epitet "cemerlang" pastinya mengiringi ulasan tentang persembahannya sebagai konduktor. Selalunya, Rachmaninoff muncul di tempat konduktor dalam konsert Persatuan Filharmonik Moscow, serta dengan orkestra Siloti dan Koussevitzky. Pada tahun 1907-1913, beliau banyak menjalankan tugas di luar negara - di bandar-bandar Perancis, Belanda, Amerika Syarikat, England, Jerman.

Repertoar Rachmaninov sebagai konduktor adalah luar biasa pelbagai rupa pada tahun-tahun itu. Dia dapat menembusi ke dalam gaya dan watak kerja yang paling pelbagai. Sememangnya, muzik Rusia paling dekat dengannya. Dia menghidupkan semula di pentas Borodin's Bogatyr Symphony, hampir dilupakan pada masa itu, menyumbang kepada populariti miniatur Lyadov, yang dilakukannya dengan kecemerlangan yang luar biasa. Tafsiran beliau terhadap muzik Tchaikovsky (terutama simfoni ke-4 dan ke-5) ditandai dengan kepentingan dan kedalaman yang luar biasa; dalam karya Rimsky-Korsakov, dia dapat membuka gamut warna yang paling terang untuk penonton, dan dalam simfoni Borodin dan Glazunov, dia memikat penonton dengan keluasan epik dan integriti tafsiran dramatik.

Salah satu kemuncak seni konduktor Rachmaninov ialah tafsiran simfoni G-minor Mozart. Pengkritik Wolfing menulis: “Apakah maksud banyak simfoni bertulis dan bercetak sebelum persembahan Rachmaninov bagi simfoni g-moll Mozart! … Genius seni Rusia untuk kali kedua mengubah dan memaparkan sifat artistik pengarang simfoni ini. Kita boleh bercakap bukan sahaja tentang Mozart Pushkin, tetapi juga tentang Mozart Rachmaninov…”

Bersama-sama dengan ini, kami dapati banyak muzik romantis dalam program Rachmaninov – contohnya, Simfoni Hebat Berlioz, simfoni Mendelssohn dan Franck, persembahan Oberon Weber dan serpihan daripada opera Wagner, puisi Liszt dan Suite Lyric Grieg… Dan di sebelahnya – persembahan hebat pengarang moden - puisi simfoni oleh R. Strauss, karya Impresionis: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse ... Dan sudah tentu, Rachmaninov adalah jurubahasa yang tiada tandingan bagi gubahan simfoninya sendiri. Ahli muzik Soviet terkenal V. Yakovlev, yang mendengar Rachmaninov lebih daripada sekali, mengenang: "Bukan sahaja orang awam dan pengkritik, ahli orkestra berpengalaman, profesor, artis mengiktiraf kepimpinannya sebagai titik tertinggi dalam seni ini ... Kaedah kerjanya adalah dikurangkan tidak begitu banyak kepada persembahan, tetapi untuk memisahkan ucapan, bermakna penjelasan, selalunya dia menyanyi atau dalam satu bentuk atau lain menjelaskan apa yang dia telah dipertimbangkan sebelum ini. Setiap orang yang hadir di konsertnya mengingati gerak isyarat yang luas dan ciri seluruh tangan, bukan hanya datang dari berus; kadangkala gerak gerinya ini dianggap keterlaluan oleh ahli orkestra, tetapi mereka biasa baginya dan difahami oleh mereka. Tiada artifisial dalam pergerakan, pose, tiada kesan, tiada lukisan tangan. Terdapat keghairahan yang tidak terhingga, didahului oleh pemikiran, analisis, pemahaman dan pandangan tentang gaya penghibur.

Mari kita tambahkan bahawa Rachmaninoff konduktor juga merupakan pemain ensemble yang tiada tandingan; pemain solo dalam konsertnya adalah artis seperti Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, dan dalam persembahan opera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Selepas 1913, Rachmaninoff enggan membuat karya oleh pengarang lain dan hanya mengendalikan gubahannya sendiri. Hanya pada tahun 1915 dia menyimpang dari peraturan ini dengan mengadakan konsert untuk mengenang Scriabin. Walau bagaimanapun, walaupun kemudiannya reputasinya sebagai konduktor adalah luar biasa tinggi di seluruh dunia. Cukuplah untuk mengatakan bahawa sebaik sahaja tiba di Amerika Syarikat pada tahun 1918, beliau ditawarkan kepimpinan orkestra terbesar di negara ini - di Boston dan Cincinnati. Tetapi pada masa itu dia tidak boleh lagi menumpukan masa untuk mengendalikan, terpaksa menjalankan aktiviti konsert yang sengit sebagai pemain piano.

Hanya pada musim luruh tahun 1939, apabila kitaran konsert dari karya Rachmaninov diatur di New York, komposer bersetuju untuk mengendalikan salah satu daripadanya. Orkestra Philadelphia kemudiannya mempersembahkan Simfoni Ketiga dan Loceng. Dia mengulangi program yang sama pada tahun 1941 di Chicago, dan setahun kemudian mengarahkan persembahan "Isle of the Dead" dan "Symphonic Dances" di Egan Arbor. Pengkritik O. Daune menulis: “Rakhmaninov membuktikan bahawa dia mempunyai kemahiran dan kawalan yang sama ke atas persembahan, muzik dan kuasa kreatif, mengetuai orkestra, yang ditunjukkannya ketika bermain piano. Watak dan gaya permainannya, serta perlakuannya, menyerlah dengan tenang dan yakin. Ia adalah ketiadaan kesombongan yang sama, rasa maruah yang sama dan kekangan yang jelas, kuasa agung yang terpuji yang sama. Rakaman The Island of the Dead, Vocalise dan Third Symphony yang dibuat pada masa itu telah mengekalkan bukti seni konduktor pemuzik Rusia yang cemerlang untuk kita.

L. Grigoriev, J. Platek