Giuseppe Verdi (Giuseppe Verdi) |

Giuseppe Verdi

Seperti mana-mana bakat hebat. Verdi mencerminkan kewarganegaraannya dan zamannya. Dia adalah bunga tanahnya. Dia adalah suara Itali moden, bukan Itali yang malas tidur atau ceria ceroboh dalam komik dan opera pseudo-serius Rossini dan Donizetti, bukan Itali Bellini yang penuh sentimental dan elegiac, menangis, tetapi Itali bangkit dari kesedaran, Itali yang gelisah dengan politik. ribut, Itali , berani dan bersemangat untuk marah. A. Serov

Tiada siapa yang dapat merasakan kehidupan lebih baik daripada Verdi. A. Boito

Verdi ialah budaya muzik Itali klasik, salah seorang komposer paling penting pada abad ke-26. Muziknya dicirikan oleh percikan kesedihan sivil yang tinggi yang tidak pudar dari masa ke masa, ketepatan yang tidak dapat disangkal dalam penjelmaan proses yang paling kompleks yang berlaku di kedalaman jiwa manusia, bangsawan, keindahan dan melodi yang tidak habis-habisnya. Komposer Peru memiliki opera XNUMX, karya rohani dan instrumental, percintaan. Bahagian paling penting dalam warisan kreatif Verdi ialah opera, yang kebanyakannya (Rigoletto, La Traviata, Aida, Othello) telah didengari dari peringkat rumah opera di seluruh dunia selama lebih daripada seratus tahun. Karya genre lain, kecuali Requiem yang diilhamkan, hampir tidak diketahui, manuskrip kebanyakannya telah hilang.

Verdi, tidak seperti kebanyakan pemuzik abad ke-XNUMX, tidak mengisytiharkan prinsip kreatifnya dalam ucapan program di akhbar, tidak mengaitkan karyanya dengan kelulusan estetika arah artistik tertentu. Namun begitu, jalan kreatifnya yang panjang, sukar, tidak selalu terburu-buru dan dinobatkan dengan kemenangan diarahkan ke arah matlamat yang sangat menderita dan sedar - pencapaian realisme muzik dalam persembahan opera. Kehidupan dalam semua kepelbagaian konfliknya adalah tema keseluruhan karya komposer. Julat penjelmaannya adalah luar biasa luas - daripada konflik sosial kepada konfrontasi perasaan dalam jiwa seseorang. Pada masa yang sama, seni Verdi membawa rasa keindahan dan keharmonian yang istimewa. "Saya suka segala-galanya dalam seni yang indah," kata komposer itu. Muziknya sendiri juga menjadi contoh seni yang indah, tulus dan berinspirasi.

Jelas menyedari tugas kreatifnya, Verdi tidak jemu mencari bentuk penjelmaan idea yang paling sempurna, sangat menuntut dirinya sendiri, para libretis dan penghibur. Dia sendiri sering memilih asas sastera untuk libretto, membincangkan secara terperinci dengan para librettist keseluruhan proses penciptaannya. Kerjasama yang paling berkesan menghubungkan komposer dengan librettist seperti T. Solera, F. Piave, A. Ghislanzoni, A. Boito. Verdi menuntut kebenaran dramatik daripada penyanyi, dia tidak bertolak ansur dengan sebarang manifestasi kepalsuan di atas pentas, kebaikan yang tidak masuk akal, tidak diwarnai oleh perasaan yang mendalam, tidak dibenarkan oleh tindakan dramatik. “…Bakat yang hebat, jiwa dan bakat pentas” – ini adalah kualiti yang paling dia hargai dalam penghibur. Persembahan opera yang "bermakna, penuh hormat" nampaknya perlu; “…apabila opera tidak dapat dipersembahkan dalam semua integritinya – seperti yang dimaksudkan oleh komposer – adalah lebih baik untuk tidak mempersembahkannya sama sekali.”

Verdi hidup lama. Dia dilahirkan dalam keluarga pemilik rumah penginapan petani. Gurunya ialah ahli organ gereja kampung P. Baistrocchi, kemudian F. Provezi, yang memimpin kehidupan muzik di Busseto, dan konduktor teater Milan La Scala V. Lavigna. Sudah menjadi komposer matang, Verdi menulis: “Saya belajar beberapa karya terbaik pada zaman kita, bukan dengan mempelajarinya, tetapi dengan mendengarnya di teater … Saya akan berbohong jika saya mengatakan bahawa pada masa muda saya saya tidak melalui kajian yang panjang dan teliti … tangan saya cukup kuat untuk mengendalikan nota seperti yang saya mahu, dan cukup yakin untuk mendapatkan kesan yang saya inginkan pada kebanyakan masa; dan jika saya menulis apa-apa yang tidak mengikut peraturan, ia adalah kerana peraturan yang tepat tidak memberikan saya apa yang saya mahu, dan kerana saya tidak menganggap semua peraturan yang diterima pakai sehingga hari ini baik tanpa syarat.

Kejayaan pertama komposer muda dikaitkan dengan pengeluaran opera Oberto di teater La Scala di Milan pada tahun 1839. Tiga tahun kemudian, opera Nebuchadnezzar (Nabucco) dipentaskan di teater yang sama, yang membawa kemasyhuran luas pengarang ( 3). Opera pertama komposer muncul semasa era kebangkitan revolusioner di Itali, yang dipanggil era Risorgimento (Itali - kebangkitan). Perjuangan untuk penyatuan dan kemerdekaan Itali menyelubungi seluruh rakyat. Verdi tidak boleh bertepi. Dia sangat mengalami kemenangan dan kekalahan gerakan revolusioner, walaupun dia tidak menganggap dirinya seorang ahli politik. Opera heroik-patriotik pada tahun 1841-an. – “Nabucco” (40), “Lombard in the First Crusade” (1841), “Battle of Legnano” (1842) – adalah sejenis tindak balas kepada peristiwa revolusioner. Plot alkitabiah dan sejarah opera ini, jauh dari moden, menyanyikan kepahlawanan, kebebasan dan kemerdekaan, dan oleh itu hampir kepada beribu-ribu orang Itali. "Maestro Revolusi Itali" - inilah cara orang sezaman memanggil Verdi, yang karyanya menjadi sangat popular.

Walau bagaimanapun, minat kreatif komposer muda tidak terhad kepada tema perjuangan heroik. Untuk mencari plot baru, komposer beralih kepada klasik kesusasteraan dunia: V. Hugo (Ernani, 1844), W. Shakespeare (Macbeth, 1847), F. Schiller (Louise Miller, 1849). Perluasan tema kreativiti disertai dengan pencarian cara muzik baru, pertumbuhan kemahiran komposer. Tempoh kematangan kreatif ditandai dengan triad opera yang luar biasa: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853), La Traviata (1853). Dalam karya Verdi, buat pertama kalinya, protes terhadap ketidakadilan sosial terdengar begitu terbuka. Wira-wira opera ini, yang dikurniakan perasaan yang bersemangat, mulia, bercanggah dengan norma moral yang diterima umum. Beralih kepada plot sedemikian adalah langkah yang sangat berani (Verdi menulis tentang La Traviata: "Plot itu moden. Seorang lagi tidak akan mengambil plot ini, mungkin, kerana kesopanan, kerana era, dan kerana seribu prasangka bodoh yang lain … Saya melakukannya dengan penuh keseronokan).

Menjelang pertengahan 50-an. Nama Verdi terkenal di seluruh dunia. Komposer menyimpulkan kontrak bukan sahaja dengan teater Itali. Pada tahun 1854 beliau mencipta opera "Sicilian Vespers" untuk Opera Besar Paris, beberapa tahun kemudian opera "Simon Boccanegra" (1857) dan Un ballo in maschera (1859, untuk teater Itali San Carlo dan Appolo) telah ditulis. Pada tahun 1861, atas perintah pengarah Teater Mariinsky St. Petersburg, Verdi mencipta opera The Force of Destiny. Sehubungan dengan pengeluarannya, komposer pergi ke Rusia dua kali. Opera itu bukanlah satu kejayaan yang besar, walaupun muzik Verdi popular di Rusia.

Antara opera tahun 60-an. Yang paling popular ialah opera Don Carlos (1867) berdasarkan drama dengan nama yang sama oleh Schiller. Muzik "Don Carlos", tepu dengan psikologi yang mendalam, menjangka kemuncak kreativiti opera Verdi - "Aida" dan "Othello". Aida ditulis pada tahun 1870 untuk pembukaan teater baru di Kaherah. Pencapaian semua opera sebelumnya digabungkan secara organik di dalamnya: kesempurnaan muzik, pewarnaan yang cerah, dan ketajaman dramaturgi.

Mengikuti "Aida" dicipta "Requiem" (1874), selepas itu terdapat kesunyian yang panjang (lebih daripada 10 tahun) yang disebabkan oleh krisis dalam kehidupan awam dan muzik. Di Itali, terdapat keghairahan yang meluas untuk muzik R. Wagner, manakala budaya kebangsaan telah dilupakan. Situasi semasa bukan sekadar perjuangan cita rasa, kedudukan estetik yang berbeza, tanpa amalan artistik yang tidak dapat difikirkan, dan perkembangan semua seni. Ia adalah masa kejatuhan keutamaan tradisi seni negara, yang amat dialami oleh patriot seni Itali. Verdi memberi alasan seperti berikut: “Seni kepunyaan semua bangsa. Tiada siapa yang percaya perkara ini lebih teguh daripada saya. Tetapi ia berkembang secara individu. Dan jika orang Jerman mempunyai amalan seni yang berbeza daripada kita, seni mereka pada asasnya berbeza daripada kita. Kami tidak boleh mengarang seperti orang Jerman…”

Berfikir tentang nasib masa depan muzik Itali, merasakan tanggungjawab yang besar untuk setiap langkah seterusnya, Verdi mula melaksanakan konsep opera Othello (1886), yang menjadi karya sebenar. "Othello" adalah tafsiran yang tiada tandingan tentang kisah Shakespeare dalam genre opera, contoh sempurna drama muzik dan psikologi, penciptaan yang komposer pergi sepanjang hidupnya.

Karya terakhir Verdi - opera komik Falstaff (1892) - mengejutkan dengan keceriaan dan kemahirannya yang sempurna; ia seolah-olah membuka halaman baru dalam karya komposer, yang, malangnya, tidak diteruskan. Seluruh kehidupan Verdi diterangi oleh keyakinan yang mendalam dalam ketepatan jalan yang dipilih: "Setakat seni, saya mempunyai pemikiran saya sendiri, keyakinan saya sendiri, sangat jelas, sangat tepat, dari mana saya tidak boleh, dan tidak sepatutnya, menolak.” L. Escudier, salah seorang komposer sezaman, dengan tepat menggambarkannya: “Verdi hanya mempunyai tiga nafsu. Tetapi mereka mencapai kekuatan terbesar: cinta kepada seni, perasaan kebangsaan dan persahabatan. Minat terhadap karya Verdi yang bersemangat dan jujur ​​tidak melemahkan. Bagi pencinta muzik generasi baharu, ia sentiasa kekal sebagai standard klasik yang menggabungkan kejelasan pemikiran, inspirasi perasaan dan kesempurnaan muzik.

A. Zolotykh

• Laluan kreatif Giuseppe Verdi →
• Budaya muzik Itali pada separuh kedua abad ke-XNUMX →

Opera adalah pusat minat artistik Verdi. Pada peringkat terawal karyanya, di Busseto, dia menulis banyak karya instrumental (manuskrip mereka telah hilang), tetapi dia tidak pernah kembali ke genre ini. Pengecualian ialah kuartet rentetan 1873, yang tidak dimaksudkan oleh komposer untuk persembahan awam. Pada tahun-tahun muda yang sama, dengan sifat aktivitinya sebagai seorang organ, Verdi mengarang muzik suci. Menjelang penghujung kerjayanya - selepas Requiem - dia mencipta beberapa lagi karya seumpama ini (Stabat mater, Te Deum dan lain-lain). Beberapa percintaan juga tergolong dalam tempoh kreatif awal. Dia menumpukan seluruh tenaganya untuk opera selama lebih daripada setengah abad, dari Oberto (1839) hingga Falstaff (1893).

Verdi menulis dua puluh enam opera, enam daripadanya dia berikan dalam versi baharu yang diubah suai dengan ketara. (Mengikut beberapa dekad, karya ini diletakkan seperti berikut: lewat 30-an – 40-an – 14 opera (+1 dalam edisi baharu), 50-an – 7 opera (+1 dalam edisi baharu), 60-an – 2 opera (+2 dalam edisi baharu edisi), 70an – 1 opera, 80an – 1 opera (+2 dalam edisi baharu), 90an – 1 opera.) Sepanjang hayatnya yang panjang, dia tetap setia pada cita-cita estetikanya. "Saya mungkin tidak cukup kuat untuk mencapai apa yang saya mahu, tetapi saya tahu apa yang saya perjuangkan," tulis Verdi pada tahun 1868. Kata-kata ini boleh menggambarkan semua aktiviti kreatifnya. Tetapi selama bertahun-tahun, cita-cita artistik komposer menjadi lebih jelas, dan kemahirannya menjadi lebih sempurna, diasah.

Verdi berusaha untuk menjelmakan drama "kuat, mudah, penting." Pada tahun 1853, menulis La Traviata, dia menulis: "Saya mengimpikan plot baru yang besar, cantik, pelbagai, berani, dan yang sangat berani." Dalam surat lain (tahun yang sama) kita membaca: "Beri saya plot yang indah, asli, menarik, dengan situasi yang mengagumkan, nafsu - di atas semua nafsu! ..”

Situasi dramatik yang jujur ​​dan timbul, watak yang ditakrifkan dengan jelas - itu, menurut Verdi, adalah perkara utama dalam plot opera. Dan jika dalam karya-karya awal, tempoh romantis, perkembangan situasi tidak selalu menyumbang kepada pendedahan watak yang konsisten, maka pada tahun 50-an komposer dengan jelas menyedari bahawa pendalaman hubungan ini berfungsi sebagai asas untuk mewujudkan kebenaran yang sangat penting. drama muzikal. Itulah sebabnya, setelah mengambil jalan realisme dengan tegas, Verdi mengutuk opera Itali moden untuk plot yang membosankan, monoton, bentuk rutin. Untuk keluasan yang tidak mencukupi untuk menunjukkan percanggahan kehidupan, dia juga mengutuk karya-karyanya yang ditulis sebelum ini: “Mereka mempunyai adegan yang sangat menarik, tetapi tidak ada kepelbagaian. Mereka hanya memberi kesan kepada satu pihak - luhur, jika anda suka - tetapi sentiasa sama.

Dalam pemahaman Verdi, opera tidak dapat difikirkan tanpa penajaman muktamad percanggahan konflik. Situasi dramatik, kata komposer, harus mendedahkan keghairahan manusia dalam ciri-ciri mereka, bentuk individu. Oleh itu, Verdi menentang keras sebarang rutin dalam libretto. Pada tahun 1851, memulakan kerja pada Il trovatore, Verdi menulis: “Cammarano yang lebih bebas (ahli libret opera.— MD) akan mentafsir bentuk, lebih baik bagi saya, lebih berpuas hati saya. Setahun sebelum itu, setelah mengarang sebuah opera berdasarkan plot King Lear karya Shakespeare, Verdi menegaskan: “Lear tidak seharusnya dijadikan drama dalam bentuk yang diterima umum. Adalah perlu untuk mencari bentuk baharu, yang lebih besar, bebas daripada prasangka.”

Plot untuk Verdi adalah cara untuk mendedahkan idea karya dengan berkesan. Kehidupan komposer diselubungi dengan pencarian plot sedemikian. Bermula dengan Ernani, dia gigih mencari sumber sastera untuk idea operanya. Seorang pakar kesusasteraan Itali (dan Latin) yang sangat baik, Verdi mahir dalam dramaturgi Jerman, Perancis dan Inggeris. Pengarang kegemarannya ialah Dante, Shakespeare, Byron, Schiller, Hugo. (Mengenai Shakespeare, Verdi menulis pada tahun 1865: "Dia adalah penulis kegemaran saya, yang saya kenali dari awal kanak-kanak dan sentiasa membaca semula." Dia menulis tiga opera mengenai plot Shakespeare, mengimpikan Hamlet dan The Tempest, dan kembali bekerja pada empat kali King Lear ”(pada tahun 1847, 1849, 1856 dan 1869); dua opera berdasarkan plot Byron (rancangan Cain yang belum selesai), Schiller – empat, Hugo – dua (rancangan Ruy Blas”).

Inisiatif kreatif Verdi tidak terhad kepada pilihan plot. Dia secara aktif menyelia kerja librettist. “Saya tidak pernah menulis opera kepada libretto siap dibuat yang dibuat oleh seseorang di sisi,” kata komposer itu, “Saya tidak dapat memahami bagaimana seorang penulis skrip boleh dilahirkan yang boleh meneka dengan tepat apa yang boleh saya wujudkan dalam opera.” Surat-menyurat luas Verdi dipenuhi dengan arahan kreatif dan nasihat kepada rakan usaha sama sasteranya. Arahan ini berkaitan terutamanya dengan rancangan senario opera. Komposer menuntut kepekatan maksimum pembangunan plot sumber sastera, dan untuk ini - pengurangan garis sampingan tipu muslihat, pemampatan teks drama.

Verdi menetapkan kepada pekerjanya giliran lisan yang dia perlukan, irama ayat dan bilangan perkataan yang diperlukan untuk muzik. Dia memberi perhatian khusus kepada frasa "kunci" dalam teks libretto, yang direka untuk mendedahkan dengan jelas kandungan situasi atau watak dramatik tertentu. "Tidak kira sama ada perkataan ini atau itu, frasa diperlukan yang akan mengujakan, menjadi indah," tulisnya pada tahun 1870 kepada penulis libretis Aida. Memperbaiki libretto "Othello", dia mengeluarkan yang tidak perlu, pada pendapatnya, frasa dan kata-kata, menuntut kepelbagaian berirama dalam teks, memecahkan "kelancaran" ayat itu, yang membelenggu perkembangan muzik, mencapai ekspresif dan ringkas yang terbaik.

Idea berani Verdi tidak selalu menerima ungkapan yang layak daripada rakan usaha sama sasteranya. Oleh itu, sangat menghargai libretto "Rigoletto", komposer mencatatkan ayat-ayat yang lemah di dalamnya. Banyak yang tidak memuaskannya dalam dramaturgi Il trovatore, Sicilian Vespers, Don Carlos. Tidak mencapai senario yang meyakinkan sepenuhnya dan penjelmaan sastera idea inovatifnya dalam libretto King Lear, dia terpaksa meninggalkan penyiapan opera.

Dalam kerja keras dengan para libretis, Verdi akhirnya mematangkan idea gubahan itu. Dia biasanya memulakan muzik hanya selepas membangunkan teks sastera lengkap keseluruhan opera.

Verdi berkata bahawa perkara yang paling sukar baginya ialah "menulis dengan cukup pantas untuk menyatakan idea muzik dalam integriti yang ia lahirkan dalam fikiran." Dia mengimbas kembali: "Semasa saya muda, saya sering bekerja tanpa henti dari pukul empat pagi hingga tujuh malam." Walaupun pada usia lanjut, apabila mencipta skor Falstaff, dia segera menggunakan petikan besar yang lengkap, kerana dia "takut melupakan beberapa kombinasi orkestra dan kombinasi timbre."

Apabila mencipta muzik, Verdi memikirkan kemungkinan penjelmaan pentasnya. Disambungkan sehingga pertengahan 50-an dengan pelbagai teater, dia sering menyelesaikan isu dramaturgi muzikal tertentu, bergantung pada kuasa persembahan yang dimiliki kumpulan tertentu. Lebih-lebih lagi, Verdi berminat bukan sahaja dengan kualiti vokal penyanyi. Pada tahun 1857, sebelum tayangan perdana "Simon Boccanegra", dia menegaskan: "Peranan Paolo sangat penting, sangat diperlukan untuk mencari bariton yang akan menjadi pelakon yang baik." Kembali pada tahun 1848, berkaitan dengan pengeluaran Macbeth yang dirancang di Naples, Verdi menolak penyanyi Tadolini yang ditawarkan kepadanya, kerana kebolehan vokal dan pentasnya tidak sesuai dengan peranan yang dimaksudkan: "Tadolini mempunyai suara yang megah, jelas, telus, kuat, dan saya ingin suara untuk seorang wanita, pekak, keras, muram. Tadolini mempunyai sesuatu yang seperti malaikat dalam suaranya, dan saya ingin sesuatu yang jahat dalam suara wanita itu.

Dalam mempelajari operanya, sehingga Falstaff, Verdi mengambil bahagian aktif, campur tangan dalam kerja konduktor, memberi perhatian terutamanya kepada penyanyi, dengan berhati-hati membaca bahagian dengan mereka. Oleh itu, penyanyi Barbieri-Nini, yang memainkan peranan Lady Macbeth pada tayangan perdana tahun 1847, memberi keterangan bahawa komposer itu berlatih duet dengannya sehingga 150 kali, mencapai cara ekspresi vokal yang diperlukannya. Dia bekerja dengan penuh semangat pada usia 74 tahun dengan tenor terkenal Francesco Tamagno, yang memainkan peranan Othello.

Verdi memberi perhatian khusus kepada tafsiran pentas opera. Surat-menyurat beliau mengandungi banyak kenyataan berharga mengenai isu-isu ini. "Semua kuasa pentas memberikan ekspresi yang dramatik," tulis Verdi, "dan bukan hanya penghantaran muzik cavatina, duet, final, dll." Sehubungan dengan pengeluaran The Force of Destiny pada tahun 1869, dia mengadu tentang pengkritik, yang hanya menulis tentang sisi vokal pelaku: mereka berkata ... ". Memerhatikan kemuzikan para penghibur, komposer itu menekankan: “Opera—fahamkan saya dengan betul—iaitu, drama muzikal pentas, diberikan dengan sangat sederhana. Ia menentang ini mengeluarkan muzik dari pentas dan Verdi membantah: mengambil bahagian dalam pembelajaran dan pementasan karya-karyanya, dia menuntut kebenaran perasaan dan tindakan dalam nyanyian dan dalam gerakan pentas. Verdi berhujah bahawa hanya di bawah keadaan perpaduan dramatik semua cara ekspresi pentas muzik bolehlah persembahan opera menjadi lengkap.

Oleh itu, bermula dari pilihan plot dalam kerja keras dengan librettist, ketika mencipta muzik, semasa penjelmaan pentasnya – pada semua peringkat mengerjakan opera, dari konsep hingga pementasan, keagungan tuan akan menjelma sendiri, yang dengan yakin memimpin Itali. seni yang berasal dari dia ke ketinggian. realisme.

* * *

Cita-cita opera Verdi telah terbentuk hasil daripada kerja kreatif selama bertahun-tahun, kerja praktikal yang hebat dan usaha gigih. Dia tahu betul keadaan teater muzikal kontemporari di Eropah. Menghabiskan banyak masa di luar negara, Verdi berkenalan dengan kumpulan terbaik di Eropah - dari St. Petersburg ke Paris, Vienna, London, Madrid. Dia biasa dengan opera komposer kontemporari terhebat. (Mungkin Verdi mendengar opera Glinka di St. Petersburg. Di perpustakaan peribadi komposer Itali terdapat clavier "The Stone Guest" oleh Dargomyzhsky.). Verdi menilai mereka dengan tahap kritikal yang sama dengan mana dia mendekati karyanya sendiri. Dan selalunya dia tidak begitu banyak mengasimilasikan pencapaian artistik budaya kebangsaan lain, tetapi memprosesnya dengan caranya sendiri, mengatasi pengaruh mereka.

Beginilah dia memperlakukan tradisi muzik dan pentas teater Perancis: mereka terkenal kepadanya, jika hanya kerana tiga karyanya ("Sicilian Vespers", "Don Carlos", edisi kedua "Macbeth") ditulis untuk peringkat Paris. Begitu juga sikapnya terhadap Wagner, yang operanya, kebanyakannya dari zaman pertengahan, dia tahu, dan sebahagian daripadanya sangat dihargai (Lohengrin, Valkyrie), tetapi Verdi secara kreatif berhujah dengan Meyerbeer dan Wagner. Dia tidak memperkecilkan kepentingan mereka untuk perkembangan budaya muzik Perancis atau Jerman, tetapi menolak kemungkinan meniru mereka secara budak. Verdi menulis: "Jika orang Jerman, yang bergerak dari Bach, mencapai Wagner, maka mereka bertindak seperti orang Jerman tulen. Tetapi kami, keturunan Palestrina, meniru Wagner, melakukan jenayah muzik, mencipta seni yang tidak perlu malah berbahaya. "Kami berasa berbeza," tambahnya.

Persoalan pengaruh Wagner telah menjadi sangat teruk di Itali sejak tahun 60-an; ramai komposer muda tunduk kepadanya (Pengkagum Wagner yang paling bersemangat di Itali ialah pelajar Liszt, komposer J. Sgambatti, konduktor G. Martucci, A. Boito (pada permulaan kerjaya kreatifnya, sebelum bertemu Verdi) dan lain-lain.). Verdi menyatakan dengan pahit: "Kita semua - komposer, pengkritik, orang ramai - telah melakukan segala yang mungkin untuk meninggalkan kewarganegaraan muzik kita. Di sini kita berada di pelabuhan yang sunyi ... satu langkah lagi, dan kita akan menjadi Jerman dalam hal ini, seperti dalam segala-galanya. Sukar dan menyakitkan baginya untuk mendengar dari bibir orang muda dan beberapa pengkritik kata-kata bahawa bekas operanya sudah lapuk, tidak memenuhi keperluan moden, dan yang sekarang, bermula dengan Aida, mengikuti jejak Wagner. "Sungguh satu penghormatan, selepas kerjaya kreatif selama empat puluh tahun, berakhir sebagai wannabe!" Jerit Verdi geram.

Tetapi dia tidak menolak nilai penaklukan artistik Wagner. Komposer Jerman membuatnya berfikir tentang banyak perkara, dan di atas semua tentang peranan orkestra dalam opera, yang dipandang remeh oleh komposer Itali pada separuh pertama abad ke-XNUMX (termasuk Verdi sendiri pada peringkat awal karyanya), tentang meningkatkan kepentingan keharmonian (dan cara ekspresi muzik yang penting ini diabaikan oleh pengarang opera Itali) dan, akhirnya, mengenai pembangunan prinsip pembangunan hujung-ke-hujung untuk mengatasi pemotongan bentuk struktur nombor.

Walau bagaimanapun, untuk semua soalan ini, yang paling penting untuk dramaturgi muzikal opera separuh kedua abad ini, Verdi mendapati perkhidmatan penyelesaian selain daripada Wagner. Di samping itu, dia menggariskan mereka sebelum dia berkenalan dengan karya komposer Jerman yang cemerlang. Sebagai contoh, penggunaan "dramaturgi timbre" dalam adegan penampakan roh dalam "Macbeth" atau dalam gambaran ribut petir yang tidak menyenangkan dalam "Rigoletto", penggunaan rentetan divisi dalam daftar tinggi dalam pengenalan kepada yang terakhir tindakan "La Traviata" atau trombon dalam Miserere "Il Trovatore" - ini adalah kaedah instrumentasi yang berani dan individu ditemui tanpa mengira Wagner. Dan jika kita bercakap tentang pengaruh sesiapa pada orkestra Verdi, maka kita harus memikirkan Berlioz, yang sangat dia hargai dan dengan siapa dia bersahabat sejak awal tahun 60-an.

Verdi sama bebas dalam pencariannya untuk gabungan prinsip lagu-ariose (bel canto) dan deklamasi (parlante). Dia membangunkan "cara bercampur" khasnya sendiri (stilo misto), yang menjadi asas baginya untuk mencipta bentuk bebas monolog atau adegan dialog. Aria Rigoletto "Courtesans, fiend of vice" atau pertarungan rohani antara Germont dan Violetta juga ditulis sebelum berkenalan dengan opera Wagner. Sudah tentu, membiasakan diri dengan mereka membantu Verdi mengembangkan prinsip dramaturgi baru dengan berani, yang khususnya mempengaruhi bahasa harmoniknya, yang menjadi lebih kompleks dan fleksibel. Tetapi terdapat perbezaan utama antara prinsip kreatif Wagner dan Verdi. Mereka jelas kelihatan dalam sikap mereka terhadap peranan elemen vokal dalam opera.

Dengan semua perhatian yang Verdi berikan kepada orkestra dalam gubahan terakhirnya, dia mengiktiraf faktor vokal dan melodi sebagai terkemuka. Jadi, mengenai opera awal oleh Puccini, Verdi menulis pada tahun 1892: "Nampaknya prinsip simfoni berlaku di sini. Ini sendiri tidak buruk, tetapi seseorang mesti berhati-hati: opera ialah opera, dan simfoni ialah simfoni.

“Suara dan melodi,” kata Verdi, “bagi saya akan sentiasa menjadi perkara yang paling penting.” Dia bersungguh-sungguh mempertahankan kedudukan ini, percaya bahawa ciri-ciri kebangsaan khas muzik Itali dapat dilihat di dalamnya. Dalam projeknya untuk reformasi pendidikan awam, yang dibentangkan kepada kerajaan pada tahun 1861, Verdi menganjurkan penganjuran sekolah nyanyian malam percuma, untuk setiap rangsangan muzik vokal yang mungkin di rumah. Sepuluh tahun kemudian, beliau merayu kepada komposer muda untuk mempelajari kesusasteraan vokal Itali klasik, termasuk karya Palestrina. Dalam asimilasi keunikan budaya nyanyian rakyat, Verdi melihat kunci kejayaan pembangunan tradisi seni muzik nasional. Walau bagaimanapun, kandungan yang dia laburkan dalam konsep "melodi" dan "melodiousness" berubah.

Dalam tahun-tahun kematangan kreatif, dia menentang dengan tajam mereka yang mentafsir konsep ini secara berat sebelah. Pada tahun 1871, Verdi menulis: "Seseorang tidak boleh hanya seorang melodi dalam muzik! Terdapat sesuatu yang lebih daripada melodi, daripada harmoni - sebenarnya - muzik itu sendiri! .. “. Atau dalam surat dari 1882: “Melodi, harmoni, bacaan, nyanyian ghairah, kesan orkestra dan warna tidak lain adalah cara. Buat muzik yang bagus dengan alat-alat ini!..” Dalam kehangatan kontroversi, Verdi bahkan menyatakan pertimbangan yang kedengaran paradoks di mulutnya: “Melodi tidak dibuat daripada skala, trills atau groupetto … Terdapat, sebagai contoh, melodi dalam bard koir (daripada Bellini's Norma.— MD), doa Musa (dari opera dengan nama yang sama oleh Rossini.— MD), dan lain-lain, tetapi mereka tidak berada dalam kavatina The Barber of Seville, The Thieving Magpie, Semiramis, dll. — Apakah itu? "Apa sahaja yang anda mahu, bukan melodi" (dari surat 1875.)

Apakah yang menyebabkan serangan tajam terhadap melodi opera Rossini oleh penyokong yang konsisten dan propagandis tegar tradisi muzik kebangsaan Itali, iaitu Verdi? Tugas-tugas lain yang dikemukakan oleh kandungan baru operanya. Dalam nyanyian, dia ingin mendengar "gabungan yang lama dengan bacaan baru", dan dalam opera - pengenalan yang mendalam dan pelbagai aspek ciri-ciri individu imej tertentu dan situasi dramatik. Inilah yang dia perjuangkan, mengemas kini struktur intonasi muzik Itali.

Tetapi dalam pendekatan Wagner dan Verdi kepada masalah dramaturgi opera, sebagai tambahan kepada negara perbezaan, lain-lain gaya hala tuju artistik. Bermula sebagai seorang romantis, Verdi muncul sebagai pakar opera realistik yang paling hebat, manakala Wagner adalah dan kekal romantis, walaupun dalam karya-karyanya dalam tempoh kreatif yang berbeza ciri-ciri realisme kelihatan pada tahap yang lebih besar atau lebih kecil. Ini akhirnya menentukan perbezaan dalam idea yang menggembirakan mereka, tema, imej, yang memaksa Verdi untuk menentang Wagner "drama muzikal" pemahaman anda "drama pentas muzikal'.

* * *

Tidak semua orang sezaman memahami kehebatan karya kreatif Verdi. Walau bagaimanapun, adalah salah untuk mempercayai bahawa majoriti pemuzik Itali pada separuh kedua abad ke-1834 berada di bawah pengaruh Wagner. Verdi mempunyai penyokong dan sekutunya dalam perjuangan untuk cita-cita opera negara. Saverio Mercadante kontemporarinya yang lebih tua juga terus bekerja, sebagai pengikut Verdi, Amilcare Ponchielli (1886-1874, opera terbaik Gioconda - 1851; dia adalah guru Puccini) mencapai kejayaan yang ketara. Galaksi penyanyi yang cemerlang bertambah baik dengan mempersembahkan karya Verdi: Francesco Tamagno (1905-1856), Mattia Battistini (1928-1873), Enrico Caruso (1921-1867) dan lain-lain. Konduktor cemerlang Arturo Toscanini (1957-90) telah dibesarkan mengenai kerja-kerja ini. Akhirnya, pada tahun 1863-an, beberapa komposer muda Itali muncul di hadapan, menggunakan tradisi Verdi dengan cara mereka sendiri. Ini ialah Pietro Mascagni (1945-1890, opera Rural Honor – 1858), Ruggero Leoncavallo (1919-1892, opera Pagliacci – 1858) dan yang paling berbakat daripada mereka – Giacomo Puccini (1924-1893; kejayaan ketara pertama ialah opera "Manon", 1896; karya terbaik: "La Boheme" - 1900, "Tosca" - 1904, "Cio-Cio-San" - XNUMX). (Mereka disertai oleh Umberto Giordano, Alfredo Catalani, Francesco Cilea dan lain-lain.)

Karya komposer ini dicirikan oleh daya tarikan kepada tema moden, yang membezakan mereka daripada Verdi, yang selepas La Traviata tidak memberikan penjelmaan langsung subjek moden.

Asas untuk pencarian artistik pemuzik muda adalah pergerakan sastera tahun 80-an, yang diketuai oleh penulis Giovanni Varga dan dipanggil "verismo" (verismo bermaksud "kebenaran", "kebenaran", "kebolehpercayaan" dalam bahasa Itali). Dalam karya mereka, verists terutamanya menggambarkan kehidupan petani yang hancur (terutamanya selatan Itali) dan miskin bandar, iaitu, kelas bawahan sosial yang melarat, dihancurkan oleh aliran progresif perkembangan kapitalisme. Dalam kecaman tanpa belas kasihan terhadap aspek negatif masyarakat borjuasi, kepentingan progresif kerja verists telah didedahkan. Tetapi ketagihan kepada plot "berdarah", pemindahan detik-detik yang sangat berahi, pendedahan sifat fisiologi, kebinatangan seseorang membawa kepada naturalisme, kepada gambaran realiti yang berkurangan.

Pada tahap tertentu, percanggahan ini juga merupakan ciri komposer verist. Verdi tidak dapat bersimpati dengan manifestasi naturalisme dalam opera mereka. Pada tahun 1876, dia menulis: "Tidak buruk untuk meniru realiti, tetapi lebih baik untuk mencipta realiti ... Dengan menyalinnya, anda hanya boleh membuat gambar, bukan gambar." Tetapi Verdi tidak dapat membantu tetapi mengalu-alukan keinginan pengarang muda untuk tetap setia kepada ajaran sekolah opera Itali. Kandungan baharu yang mereka rujuk menuntut kaedah ekspresi dan prinsip dramaturgi lain – lebih dinamik, sangat dramatik, teruja dengan gugup, terburu-buru.

Walau bagaimanapun, dalam karya terbaik para verists, kesinambungan dengan muzik Verdi jelas dirasai. Ini amat ketara dalam karya Puccini.

Oleh itu, pada peringkat baru, dalam keadaan tema yang berbeza dan plot lain, cita-cita demokrasi yang sangat humanistik dari jenius Itali yang hebat itu menerangi laluan untuk perkembangan lanjut seni opera Rusia.

M. Druskin

Komposisi:

opera – Oberto, Count of San Bonifacio (1833-37, dipentaskan pada tahun 1839, Teater La Scala, Milan), Raja selama Sejam (Un giorno di regno, kemudian dipanggil Imaginary Stanislaus, 1840, di sana), Nebuchadnezzar (Nabucco, 1841, dipentaskan pada 1842, ibid), Lombard dalam Perang Salib Pertama (1842, dipentaskan pada 1843, ibid; edisi ke-2, di bawah tajuk Jerusalem, 1847, Teater Opera Besar, Paris), Ernani (1844, teater La Fenice, Venice), Dua Foscari (1844, teater Argentina, Rom), Jeanne d'Arc (1845, teater La Scala, Milan), Alzira (1845, teater San Carlo, Naples) , Attila (1846, Teater La Fenice, Venice), Macbeth (1847, Teater Pergola, Florence; edisi ke-2, 1865, Teater Lirik, Paris), Perompak (1847, Teater Haymarket, London ), The Corsair (1848, Teatro Grande, Trieste), Battle of Legnano (1849, Teatro Argentina, Rom; dengan semakan semula libretto, bertajuk The Siege of Harlem, 1861), Louise Miller (1849, Teatro San Carlo, Naples), Stiffelio (1850, Grande Theatre, Trieste; edisi ke-2, di bawah tajuk Garol d, 1857, Tea tro Nuovo, Rimini), Rigoletto (1851, Teatro La Fenice, Venice), Troubadour (1853, Teatro Apollo, Rom), Traviata (1853, Teatro La Fenice, Venice), Sicily Vespers (libreto Perancis oleh E. Scribe dan Ch. Duveyrier, 1854, dipentaskan pada tahun 1855, Grand Opera, Paris; Edisi ke-2 bertajuk "Giovanna Guzman", libretto Itali oleh E. Caimi, 1856, Milan), Simone Boccanegra (libretto oleh FM Piave, 1857, Teatro La Fenice, Venice; edisi ke-2, libretto disemak oleh A Boito, 1881, Teater La Scala , Milan), Un ballo in maschera (1859, Teater Apollo, Rom), The Force of Destiny (libretto oleh Piave, 1862, Teater Mariinsky, Petersburg, rombongan Itali; edisi ke-2, libretto disemak oleh A. Ghislanzoni, 1869, Teatro alla Scala, Milan), Don Carlos (libato Perancis oleh J. Mery dan C. du Locle, 1867, Grand Opera, Paris; edisi ke-2, libretto Itali, disemak A. Ghislanzoni, 1884, Teater La Scala, Milan), Aida (1870 , dipentaskan pada tahun 1871, Teater Opera, Kaherah), Otello (1886, dipentaskan pada tahun 1887, Teater La Scala, Milan), Falstaff (1892, dipentaskan pada tahun 1893, ibid.), untuk koir dan piano – Bunyi, sangkakala (perkataan oleh G. Mameli, 1848), Anthem of the Nations (kantata, perkataan oleh A. Boito, dipersembahkan pada tahun 1862, Teater Covent Garden, London), kerja rohani – Requiem (untuk 4 pemain solo, koir dan orkestra, dipersembahkan pada tahun 1874, Milan), Pater Noster (teks oleh Dante, untuk koir 5 suara, dipersembahkan pada tahun 1880, Milan), Ave Maria (teks oleh Dante, untuk soprano dan orkestra rentetan , dipersembahkan pada tahun 1880, Milan), Four Sacred Pieces (Ave Maria, untuk koir 4 suara; Stabat Mater, untuk koir dan orkestra 4 suara; Le laudi alla Vergine Maria, untuk koir wanita 4 suara; Te Deum, untuk koir dan orkestra; 1889-97, dipersembahkan pada tahun 1898, Paris); untuk suara dan piano – 6 romances (1838), Exile (balada untuk bass, 1839), Seduction (balada untuk bass, 1839), Album – enam romances (1845), Stornell (1869), dan lain-lain; ensembel instrumental – kuartet rentetan (e-moll, dilakukan pada tahun 1873, Naples), dsb.